Jaime Ruíz Otis: artista constante

Jaime Ruíz Otis: artista constante.
Por Adilene Ríos Castañeda
adi_rios@hotmail.com

Representado por la galería La Caja Negra, Jaime Ruiz mantiene una trayectoria artística extensa, versátil. Ha expuesto en el Museo de Arte Contemporáneo de San Diego, Arco 2005 y en el Museo de Arte Moderno de México. Ha recibido premios como el del 1er. premio Start Up Award, del Museo de Arte Contemporáneo de San Diego. Así mismo, ha expuesto internacionalmente con artistas altamente reconocidos como Paul Jenkins y Joshua Petker.
El trabajo de artistas abarca técnicas diversas. Desde algunas tan convencionales como la pintura o el grabado hasta las más vanguardistas como la instalación e intervención. El artista afirma ser autodidacta. Es cierto que ha tomado clases con artistas como Álvaro Blancarte, Felipe Ehrenberg, Carlos Zerpa, entre otros; pero de igual forma, el proceso creativo en Otis es el factor clave en el resultado de su obra. Jaime Ruiz utiliza innumerables tipos de materiales. Al emplear objetos desechados por maquiladoras y empresas, Jaime se antepone a una diversidad constante, cada material es único, distinto, nuevo. Es en esta etapa, el proceso creativo donde el artista utiliza su creatividad, explora y construye cada pieza. Aunado a este hecho, el creador se ingenia nuevas técnicas, aprende otras, se familiariza con cada material. Es decir, la obra de Jaime Ruiz Otis conlleva un constante aprendizaje.
Si bien la acertada enseñanza de maestros tan valiosos como los ya mencionados ha influido en el artista bajacaliforniano, es necesario reconocer el constante trabajo al que Jaime se enfrenta en cada obra, en cada exposición, en cada pieza, en cada discurso. Sin duda, la versatilidad, es un elemento clave que provoca dinamismo en la obra. Siendo la originalidad, la característica más provocadora. Cada pieza está realizada para sorprender.
Jaime Ruiz, no se queda corto. Además de imponer nuevas maneras de abordar una pieza artística, mantiene un sentido implícito. Jaime utiliza a manera de reciclaje cada elemento, a pesar de que la mayoría de sus obras más recientes son efímeras, mantiene un mensaje constante.
Otis proviene de Baja California, un Estado donde pareciera ser que todo se re-usa, todo se aprovecha. El artista es portador de mensajes respecto a su entorno. Aquí, es acertado mencionar otro concepto inherente: el contexto. El autor lo refleja en su discurso; Tijuana, ciudad fronteriza, cuenta con infinidad de maquiladoras que desperdician plásticos, stickers, papel, todos candidatos para material que empleará Otis. Además, las fabricas re-usan en cierta manera a quienes se quedaron en Tijuana, después de su cruce fallido a Norteamérica.
Así sea en pinturas o instalaciones, el discurso está bien planteado. Jaime mantiene la conciencia de reciclar, de mostrar, mediante el arte, cuanta materia en buenas condiciones se malgasta en las ciudades. Su trayectoria, es una paradoja entre la naturaleza perdida y el remplazo de ésta por las maquiladoras, esto se denota mayormente en sus pinturas. Sobre todo al utilizar irónicamente títulos como: Parque con plantas, donde hace referencia a los parques industriales y plantas maquiladoras que invaden la ciudad tijuanense, añorando el sentido de un parque natural. Incluso maneja temas populares como en la pintura la nave, donde pareciera que las figuras se dirigen a una nave, un auto, pero en realidad es una nave industrial. Ya en la escultura e instalación, aborda tópicos distintos pero relacionados entre sí. Trade marks es un claro ejemplo, ya que utiliza ciertos papeles brillantes directamente de la mano obrera en las fabricas. Lo mismo hizo al experimentar con materiales de trabajo maquilador en el grabado tradicional.
Resulta impresionante la calidad y el profesionalismo de un artista cuyos estudios han sido la práctica misma. Jaime Ruiz Otis es un excelente ejemplo, de las infinitas posibilidades que el artista contemporáneo tiene hoy en día, y sobre todo, un ejemplo respecto de constancia y arduo trabajo; aunado, claro, a la concientización del ser humano.

La esquina más alejada del mundo

Escuela de Artes
Materia
Análisis de la plástica del Noroeste
Maestro
Roberto Rosique
La esquina más alejada del mundo

por JACQUELINE PEREZ MORALES
jaxeline123@hotmail.com

"Si no vemos las cosas en su esencia, si no sólo en su forma vacía y abstracta, nada nos dirá en nuestra intimidad; debemos de presentarle nuestro propio sentimiento, nuestro propio espíritu para que nos responda"
Friedrich Schelling
Tijuana ciudad de paso, la llamada Tercera Nación, donde converge, el primer y el tercer mundo. Tijuana es el principio de Latinoamérica, desde esta esquina se puede percibir conceptos multiculturales, que te llevan a discernir, desde este punto hasta donde termina la aurora austral (Argentina, polo sur) los contrastes de nuestros pueblos latinos. Aquí en Tijuana posee la presencia multicultural de todos aquellos lugares de Latinoamérica, reflejado en el estrés que se vive a diario, en la inseguridad, las drogas, prostitución, el narcotráfico, el fenómeno fronterizo, el contexto histórico y el social, el estilo de vida, el situacionismo e intervención, están presentes todos en cada momento.
Tijuana está llena de elementos, que llevan al artista a percibir, expresar y crear obras de gran calidad y fuerza. Cada lugar contiene una esencia única y su diversidad de formas, imágenes, situaciones, son las responsables de que Tijuana sea conocida en todo el mundo.
Esta esquina tan pequeña y alejada, contiene fabulosas arquitecturas, existe el situacionismo plasmado en lo cotidiano, al caminar podemos percibir ambientaciones que son parte de la vida diaria. La arquitectura de Tijuana es efímera, casas llenas de creatividad por doquier, de elementos reciclados, objetos que reutilizan, para la creación de su construcción.

Luis Garzón Masabó
Estos elementos estéticos visuales lo han extraído diversos artistas para la creación de su obra, en el caso del artista cubano, Luis Garzón Masabó, sus obras son el reflejo del contexto social de Tijuana, ya que se percibe, la fusión de dos culturas en una misma. En sus obras se descubre la transformación de su progreso artístico, en su inicio, en sus obras, plasma el viaje en balsa que va en busca de una evolución, transformación, metamorfosis, para así llegar a fusionar la balsa con elementos variados como en el caso de las llantas, características de esta Tercera Nación.



Roberto Rosique
We don't wan't to you
Cuantas veces escuchamos, We don't wan't to you, We don't wan't to you, We don't wan't to you, esta frase es parte de Tijuana, vivimos a diario con esta circunstancias, relacionadas con la emigración, el sueño americano, la ley de Arizona, etc. Al tener intercambio cultural con el país vecinos, la cultura se fusionadas en una sola, la frontera sólo es frontera que representa una gran carga simbólica, manifestando diversas formas artística.
Tijuana es un paraíso demoniaco, excéntrico, exótico, perverso, es sin duda la Tercera Nación. Existe una gran cantidad y calidad de artistas que surgen debido al contexto social, con la gran necesidad de extraer y expresar imágenes vivenciales, para así mismo realizar una catarsis interna del ser. Tijuana es un punto clave para la producción artística, que contiene un potencial increíble que hace presencia en el mundo.

Una reflexión sobre los detonadores del arte en la plástica del noroeste de México

Tijuana: El Contexto.

Una reflexión sobre los detonadores del arte en la plástica del noroeste de México
Por Alicia Esmeralda Rubio Villegas
suicidal_lexia@hotmail.com


Al realizar una revisión sobre el análisis de las obras de artistas del Noroeste de México, surgieron ciertos aspectos que he denominado “detonadores” que me llamaron la atención, y es sobre los cuales abordare: el contexto, el concepto y los nuevos medios. Estos aspectos que decidí llamarlos así por considerarlos parteaguas para identificar y diferenciar la producción artística de los estados que componen el Noroeste y permitieron cuestionarme sobre las diversas funciones del arte y la función del artista como difusor de su contexto y de qué manera el arte es distinto conforme cambia el contexto.
“Una de las funciones de los artistas consiste en grabar. A través de sus creaciones nos proveen de imágenes visuales que pueden ser preservadas para referencia histórica. Esta idea es quizás tan obvia que lo podemos considerar implícita en referencia al arte, olvidando que tan extenuante seria nuestro nivel de ignorancia si el arte no hubiese cumplido esta función.” (Gilbert, Rita, “Living with art”, 1998)
Me parece importante hacer una reflexión sobre la duplicidad del contexto en ámbitos de la creación artística, ya que mediante el arte podemos mostrar a otros nuestro contexto pero también podemos hacer uso del contexto para la creación de arte. Antes de ahondar más en el tema, considero necesario especificar que entiendo por contexto en relación al arte. El contexto es un conjunto de circunstancias en que se produce la obra de arte o lo que rodea al creador (lugar, espacio, tiempo, cultura del que crea, y del que recibe) y que permiten su correcta comprensión1.
Es decir una obra a fecha sobre la revolución mexicana causará mayor resonancia entre los allegados a ese contexto que entre personas de Asia por ejemplo. Sin embargo el desconocimiento del contexto no excluye a nadie para poder interpretar obras de arte, porque dentro de la misma obra pueden existir elementos autorreferenciales y detonadores que logren atrapar a otro público aun desconociendo el contexto y permitiendo a este nuevo publico relacionarse desde su contexto con la obra misma.
El contexto más que ser el lugar, implica todo lo que se relaciona alrededor del artista, lo que le afecta, lo que acontece, las cosas que lo mueven y lo ayudan a detectar problemas, problemas que tratara en su obra. El problema o eso que le inquieta o lo mueve es en donde pasamos a otro ámbito, es decir el contexto nos ayuda a detectar problemas para poder tener ideas, sacar conceptos y llevar a cabo la producción. Aunque existen excepciones en el arte actual, en donde podemos encontrar que artistas deciden hacer exclusión del contexto. Este, considero, siempre influye en la producción, por que el artista vive en él y aunque quisiera desligarlo siempre existirán elementos de éste dentro de su producción artística. Por ejemplo, durante la Segunda Guerra Mundial, puede que gran parte de la producción artística estuviera muy marcado visualmente por el contexto de la guerra, también puede que hayan existido piezas en donde no se mostrara imágenes la guerra; sin embargo, es probable que en los rostros, nos logramos identificar con el dolor, con la desesperación y la ira vividas por las personas en este contexto.
En la medida que el artista ha detectado un problema2 esto lo lleva a la tarea de pensar sobre cómo resolverlo. Aquí es donde considero que interviene el concepto. El concepto es la idea que el artista mantiene sobre su obra en general. (Podría ser la muerte, el amor, la mujer, etc.). Aunque quiero remarcar que existe la posibilidad de que la obra de arte no siempre tiene que tener un concepto. Por ejemplo, no podemos hablar de un concepto en pintura abstracta, no existe tema o asunto alguno, ya que su principal característica es su autonomía en relación con el mundo exterior. El sentido de una obra abstracta es más indeterminado ya que no existe ningún tema icnográfico, un concepto claro por lo que el sentido de la obra depende de su estructura. La obra de arte siempre es fruto de una actividad (artesanal y cerebral) y está dotada de un propósito que lleva asociado ideas, conceptos, contextos (Consciente o inconscientemente).
Formalmente el concepto es una unidad cognitiva de significado, una idea abstracta o mental que a veces se define como una "unidad de conocimiento". Los conceptos son construcciones o imágenes mentales, por medio de las cuales comprendemos las experiencias que emergen de la interacción con nuestro entorno, a través de su integración en clases o categorías relacionadas con nuestros conocimientos previos. El artista al utilizar o darnos un concepto nos está sintetizando conjuntos de estructuras lingüísticas para lograr la compresión de la obra y también lo entiendo en la manera del artista de sacar sus inquietudes y darles un rumbo. El artista es libre en su elección del tema para de ahí extraer o buscar conceptos, tanto como del análisis de su contexto, pero es en la manera de llevar a cabo este concepto donde intervienen los medios, es decir de qué manera va a resolver su obra. Dentro del arte contemporáneo es importante que los artistas busquen y hagan uso de los diversos medios para expresarse (tradicionales y digitales) y que además se extienda el proyecto a no solamente la realización individual de este, sino que involucre la intervención del público, esto nos permite ver la constante evolución del artista comprometido y el no rechazo a una evolución tecnológica eminente.
El uso de las nuevas tecnologías es un recurso muy importante para resolver una problemática que envuelve de manera clara el contexto caótico de la ciudad. Cuando el arte no nos comunica nada, cuando no nos habla de alguna manera, no se le presta atención. El llamar la atención, no en un sentido sensacionalista, sino en el aspecto de crear empatía, influye la manera en que se nos es presentado el mensaje, es decir, el ingenio al resolver piezas aunque los temas puedan ser los mismos tratados desde hace millones de años. Como lo es la guerra, la política, la discriminación, el género, la religión, factores económicos, sociales, el amor, etc. por mencionar algunos. Considero que existe un ingenio, una hazaña y quizás más que eso es un proceso creativo-cognoscitivo el que nos lleva a decir que hacer y cómo hacerlo, haciendo uso de técnicas tradicionales y tecnologías digitales y tener esa opción y apertura de la ocurrencia y lo que siga llegando para ampliar el rango de nuestra producción.
Mediante este análisis, llegue a una reflexión personal que cambio durante el curso mis nociones de Tijuana y las ideas que tenía en cuanto a la producción en la ciudad por el contexto. Ya que consideraba la producción tijuanense bastante cerrada y abusiva respecto al tema del muro, la violencia, la frontera, los migrantes.
Los detonadores, es decir el contexto, la detección del problema, el concepto y los nuevos medios, aplicándolos en la ciudad de Tijuana, que es por su posición geográfica frontera con Estados Unidos, un punto de llegada, de partida, de espera, de residencia y de nacimiento de sus habitantes, podrían ser vistos como un pretexto. Es decir en este punto tenemos el contexto para iniciar, y como ya vimos que el contexto tiene una relación estrecha con el nivel de problemática del artista (le afecta, lo vive) considero a Tijuana un pretexto para los artistas y una invitación, a detectar problemáticas, temas no tomados, a formular conceptos y a hacer uso de las nuevas tecnologías para darles resolución a estos temas que aunque ya hayan sido abordados, darles otro enfoque, ya que la ciudad puede ser la misma, pero cada persona la vive, la percibe de manera distinta.
La idea de una producción tijuanense reducida al tema de la frontera cambio en mí, para mirarla como una problemática, a manera de invitación para la producción artística y la apertura a innovación atreves del uso de las nuevas tecnologías.

1 Diccionario de las ABC artes. 5ta Edición. 2004. Barcelona
2. El problema entendiéndolo como la inquietud, el tema, lo que mueve al artista para abordar en su obra.

El Artista como espectador dentro de la Dinámica Social en Tijuana.

Escuela de Artes Plásticas / UABC

ANALISIS DE LA PLASTICA DEL NOROESTE

Mtro. Roberto Rosique

El Artista como espectador dentro de la Dinámica Social en Tijuana.

POR Roberto Monreal dormidodespierto@hotmail.com

Al cursar el semestre estuvimos analizando el movimiento y la formación que se ha dado en la Plástica del Noroeste (Baja California Sur, Sonora, Sinaloa y Baja California), considero que ha sido benéfica la información que aporta esta asignatura dentro de la licenciatura, porque muestra esa historia, ese fragmento que hace la imagen del panorama de la plástica más amplio, que nos permite comprender lo sucedido en el Noroeste de la República Mexicana.

Como estudiante de Artes en proceso de formación, veo necesaria la tarea a la que se ha dado el Maestro y artista plástico Roberto Rosique de registrar la historia y la evidencia de las distintas huellas que ha dejado la plástica de nuestras ciudades vecinas. Como mencione, lo que considero importante es que las reflexiones obtenidas por este archivo de la plástica del noroeste, hace más amplia nuestra visión y sobre todo, el conocer y entender lo que hubo y hay en nuestro alrededor.

Vimos como dependiendo de la zona, del contexto varía el tipo de obra que se produce; algunos encontraron su lugar en el mercado turístico, otros insistieron en sobresalir y trascender en el mundo artístico.

Los intereses de cada artista con su obra es definitivamente un asunto personal, lo que es realmente un hecho es que los que han trascendido han abierto las puertas para las generaciones venideras. Tenemos como ejemplo al Maestro Álvaro Blancarte que ha sido un pilar importante al haber generado talleres en los que se han formado artistas hoy consolidados como Jaime Ruiz Otis y Marcos Ramírez “Erre” y muchos más, y estos mismos se han dado a la tarea de brindar apoyo a la comunidad artística emergente; por ello considero importante el conocer estos aspectos. Como estudiantes lo más común es que iniciamos conociendo a los artistas clásicos y a los movimientos de vanguardia, es decir, comenzamos con una visión externa, cuando tiene la misma importancia conocer nuestra historia y su contexto.

Tijuana cuenta con una dinámica social muy particular, con problemáticas muy evidentes y algunas codificados dentro de la situación que la misma ciudad vive a diario. Heriberto Yépez en su libro Tijuanologías, define la problemática de esta ciudad como una lucha entre “Cultura invisible vs Cultura visible” que es lo que precisa a esta dinámica que ha generado manifestaciones como el colectivo “Todos Somos un Mundo Pequeño” que surge como movimiento de critica en contra del caso de la asignación de Virgilio Muñoz como director del CECUT, este colectivo cada vez hacen más claro su objetivo, mostrar el proceso de transparencia, uniendo sus capacidades y habilidades para poner en evidencia los procesos políticos que como fin sólo atienden interés personales económicos y de posición, y es esta crisis en la que se encuentra la situación artística tijuanense, un cambio de paradigma dentro de las estructuras establecidas por políticas hegemónicas locales que vienen de la súper estructura del poderío . En “La(s) Estética(s) de la mundialización, Juan Carlos Reyna define este fenómeno como “Una Política de Ilusión” una política que se sostiene por mitologías fundacionales, esta ilusión que hace creer dentro de lo increíble, como ejemplo, tenemos espectaculares del Alcalde Jorge Ramos con leyendas que dicen “Para mí es un Honor servir a Tijuana en Tiempos Difíciles”, Militares armados hasta los dientes patrullando por toda la ciudad, policías locales, federales, los colgados victimas del crimen organizado y la gripe del chupa cabras. ¿Qué es lo que realmente esta codificado y se esconde detrás de estos actos?
¿A caso no tienen nada en común estas situaciones? Ilusiones a base de engaños y engaños a base de ilusiones. La cultura que en Tijuana se está formando parece que se encarga de reiterar la inexistencia de la misma.

Querer tener a una comunidad bajo la ilusión de que todos tenemos un lugar digno dentro de la sociedad, es condenar a sus sujetos a estados psicológicos neurotizantes, que hacen la dinámica de este proceso visible a nivel de consenso pero identificarlo a nivel individual lo hace invisible; es por esto que la visión crítica debe ser el centro en nosotros como estudiantes en formación. Debemos desarrollar y practicar la critica por que si el “El Artista como espectador dentro de una Dinámica Social” no observa e identifica los centros y periferias de los sistemas que rigen dentro de su sociedad, entonces ¿Qué es lo que los artistas emergentes estamos observando?

Referencias:

_Yépez Heriberto (2006) “Tijuanologías” (crónica), Umbral-UABC.

_Reyna, Juan Carlos (2008) “La(s) Estética(s) de la mundialización”, ICBC. Premios Estatales de Literatura, 2008.

ACAMONCHI

Escuela de Artes Plásticas / UABC

ANALISIS DE LA PLASTICA DEL NOROESTE

Mtro. Roberto Rosique

Acamonchi

Por: Juan Carlos Sepúlveda Gil (charlygil0@gmail.com)

“i would like to think of myself as a free spirit”

Gerardo Yepiz

No puedo llegar a pensar en una Tijuana sin sus gritos en las calles, con el paso del tiempo vemos como estos gritos se convierten en propuestas más serias y que los manchones y líneas que alguna vez tuvieron poco sentido van evolucionando, aunque no simplemente evolucionan las expresiones en todo tipo de superficies del lenguaje urbano si no que a la par lo hacen las mismas personas que las plasman y para ejemplo tenemos a Alfredo Gutiérrez (Libre), Poptripper, Daluz y por supuesto Acamonchi.

¿Quién está detrás de Acamonchi?

Detrás de la palabra Acamonchi y casi como sinónimo de la misma (aunque sea en la Red y en la mente de la mayoría que conocen el trabajo de Gerardo) podemos encontrar al hombre encargado de darle vida a esto, de nombre Gerardo Yépiz y nacido en Ensenada en 1970, inicia su carrera como diseñador grafico pero al año de estar cursándola decide abandonarla para dedicarse y aplicar directamente en el ámbito del diseño.

Apegado a los movimientos de contracultura como el graffiti, skate, punk, el arte postal, la propaganda, Acamonchi da el salto y se inserta fuertemente en el ámbito cultural de la región y con un oleaje de nuevas propuestas logra asentarse y darse a respetar con sus famosos stencils, stickers, pósters, camisetas y cuadros. No experimenta directamente con la plástica, si no con principios del graffiti, un graffiti más desplazado, más caótico, más pensado, así podemos encontrar en su trabajo una madurez que lleva una extensa búsqueda de prueba y error, curiosamente encontrando muchas veces en la obra terminada el error como carácter fuerte de esta, pero dándole una armonía, composición y forma que hacen que éste pase desapercibido y a la vez, de una propuesta bastante interesante.

Podemos encontrar a Acamonchi como que parte del colectivo Nortec crean do y diseñando para este, a trabajado en conjunto con Shepard Fairey (Obey Giant), participando en la Bienal Internacional de Estandartes ES08 o integrando parte de Tijuana Tercera Nación y en este 2009 presentando su exposición Máximo Magnético, por mencionar de algunos proyectos.

Acamonchi se define como la mezcla de muchas influencias e intereses, su estilo único se ha distinguido en parte, por accidentes y en parte por casualidad. Por el lado político tiene la huella del graffiti, por otra parte queda sellado por la onda del punk y esto al paso del tiempo se va reflejando y asentando cada vez más en su trabajo, siendo esto más sólido y con propuestas más serias.

“El éxito no es fácil”. Gerardo piensa directamente esto, dice que la vida de un artista va directamente apegada a la vida en excesos; el es fiel a su ideal, evitando los mismos podemos encontrar a un Gerardo vegetariano, libre de excesos y adicciones, promotor del ciclismo y esto último lo podemos ver reflejado directamente en cierta parte de su producción. Más que considerarse un artista, el se denomina activista y líder comunitario; frecuentemente hace mención que parte del trabajo del artista es educar.

En fin, podemos ubicar el arte de Acamonchi en el contexto de la cultura urbana, símbolo del lenguaje callejero, ya sea desde un rayón en una pared, un Sticker en alguna parada de autobús, una camisa portada por una señora en el tianguis del domingo o hasta un cuadro expuesto en una institución cultural, convirtiéndolo (aunque algunos no les guste) en una de las más flexibles e interesantes propuestas de la región.

Aníbal Angulo - Aníbal Angulo

Anibal Angulo.

Interiores. Técnica: Plata / Gelatina

Medida: 25 x 19.5 cm

Año: 1978

Escuela de Artes Plásticas / UABC

ANALISIS DE LA PLASTICA DEL NOROESTE

Mtro. Roberto Rosique

Aníbal Angulo

Por Sandra Camberos. (sandrita_dc137@hotmail.com)

Artista Bajacaliforniano que radica en La Paz, Baja California Sur de quien tuve la oportunidad de conocer su obra en la clase de Análisis de la Plástica del Noroeste y me pareció muy interesante, sobre todo su fotografía, como jugaba con la técnica de revelado, las sombras y como aborda con el cuerpo femenino permitiéndonos varias lecturas del mismo. Estoy segura que no soy la única que piensa de esta manera, así que me di a la tarea de buscar comentarios que se hayan hecho sobre su obra fotográfica.

.... el cuerpo de una mujer es eso y mucho más; hay una mujer y hay un universo de las formas, entrando al detalle, recreando, indagando, buscando y encontrando hasta sacar mil facetas nuevas y distintas de lo que para otros no sería sino un cuerpo de mujer....

Juan Miguel de Mora. El Heraldo de México. Agosto 1972

.... recrea el mundo, lo vuelve a inventar, mediante la constante invención del cuerpo de la mujer.... Las fotografías muestran el cuerpo de la mujer después de mil transformaciones; unas las que la fotografía original sufrió en el laboratorio, otras las que motivaron a las anteriores, las que ocurrieron en la mente del artista, que nunca habrá de conformarse con lo que la realidad de todos los días le ofrece.

Víctor García. Rev. Claudia N. 75

.... sus imágenes son fe en el hombre despojado, en instantes, de angustia existencial y series de espacios anatómicos que objetivan lo expresivo del sexo y la sensualidad y lo liberan de su naturaleza terrenal....

Alfonso de Neuvillete. Novedades. Enero 1978

.... ya no se trata de la figura obvia, reconocible, familiar en sus contornos y definible en su género, ahora es la yuxtaposición de elementos que han sido tomados de negativos, detalles de cada placa, una pierna, un brazo, un cuello, las caderas, motivos que van integrando paso a paso la totalidad de la obra, obra que por su múltiple visión tienen muchas posibilidades de lectura....

Saúl Serrano La Guía. Novedades. Mayo 1982

.... de ahí en adelante son ropas que cubren cabellos que rozan las ropas, manos que desordenan los cabellos, ropas que cubren otras ropas.... y la desnudez como monumento a la libertad se yergue de entre manos y bocas y vientres que no tienen sino su propia identidad para ejercer la vida....

Santiago Espinosa de los Monteros. La Jornada. 1985

.... el erotismo que despiden no se finca en la sexualidad del desnudo o en la captación de sus partes íntimas (a veces transforma "El monte de Venus" en un delicado arbusto); sino en el ritmo con que dota a sus impresiones y sobre todo en el manejo ambiguo del cuerpo....

Teresa del Conde. Uno más Uno. Feb. 1985

En el terreno de la estética y auténtica innovación están los desnudos de Aníbal Angulo, imaginería cargada de significaciones sexuales y sensuales dicha con alarde de técnica, originalidad nunca vista en otro lado.

Nacho López. Uno más Uno. Feb. 1985

Aníbal Angulo, pintor, escultor, grabador, es un artista que ha sabido captar la atención del espectador, pero sobre todo proponernos otra manera diferente de ver y entender la fotografía

“Galerías Efímeras”

Escuela de Artes Plásticas / UABC
ANALISIS DE LA PLASTICA DEL NOROESTE
Mtro. Roberto Rosique

Nuevo recurso para el arte contemporáneo
Por Olivares Quintero Tania
emory1212hotmail.com

(Efímero: adj. Pasajero, de corta duración. adj. Que tiene la duración de un solo día).
Un evento en una ciudad fronteriza, con el Internet como su mayor y fundamental herramienta de difusión, realizado en un terreno grande, privado y abandonado, que aparentaba una presentación musical y artística improvisada. Pero era todo lo contrario, al entrar había tal seriedad del organizador como en una galería de renombre, cada artista su espacio previamente asignado, junto con sus fichas técnicas; también contó con un catálogo conteniendo una reseña muy breve de cada artista y en general con una lectura y coherencia en la curaduría. Lo único fuera de lo convencional es que ni el organizador, ni los artistas, ni el lugar eran instituciones propiamente dichas.

No es de extrañarse que nuestro país tenga un serio problema en su mercado artístico, sobre todo en el Norte del país. No existen muchos espacios para dar a conocer y presentar obra artística y mucho menos para el arte contemporáneo.
Ante tal situación los artistas han sido llevados a la necesidad de crear, “espacios culturales” con la intención de dar a conocer su obra al público abierto, dando respuesta a tal ausencia de espacios.

Las insospechadas pinturas aparecidas en paredes bardas, exposiciones en bares, parques, los tianguis culturales, etcétera, son la clara iniciación de este movimiento.

En las distintas ciudades del Noroeste (en Baja California, específicamente) están surgiendo este tipo de espacios: bares, corredores abandonados etcétera Artistas que con iniciativa propia han decidido presentar su obra sin ninguna restricción, abrir las puertas de sus casas, pasillos, exponiendo y generando nuevos dispositivos de difusión de obra, en algunas ocasiones entrelazan diferentes tendencias artísticas, en un momento estás contemplando una pintura cuando en el fondo de la habitación hay un grupo musical.
Unas totalmente efímeras, otras un poco más permanentes. Con permisos o sin ellos, no hay escusa para llevara a cabo tal actividad, con una actitud , lo que demuestra que para apreciar arte no es necesario mostrarlo en una institución tal cual.

Un nuevo fenómeno que se está gestando, abrir exposiciones en espacios no convencionales, improvisados, muchas de las veces sin contar con alguna profesionalización en la exhibición o curaduría.

No deja de ser interesante tal actividad en la que se ven beneficiadas de manera sana las diferentes partes involucradas tanto los artistas que les da un renombre de autoría muy fuerte, tanto de estética como de gestión o el conocer opiniones de sus mismo colegas y la comunidad en general. Esto es autoalimentarse con propuestas frescas, claro no sería de más que pudieran existir más apoyos del gobierno o instituciones privadas.

Todo esto nos invita a generar estrategias más novedosas, gestionar proyectos culturales a beneficio de todos los creadores, sin necesidad de dependencias.