Análisis de la Plástica del Noroeste
Mtro. Roberto Rosique
Universidad Autónoma de Baja California
Materia: Análisis de la Plástica en el NOMBRE:
Salón: 261
Movimiento plástico en el Noroeste y algunos representantes
Por: Violeta Pérez Parra
Violeta.perez.parra@gmail.com
Movimiento plástico en el Noroeste y algunos representantes
La producción artística en el Noroeste de nuestro país ha ido en ascenso y cada vez surgen más representantes con visiones trascendentes. Durante el curso de Análisis de la plástica en el Noroeste se pudo apreciar como esta producción se ha transformado y ajustado a las necesidades de cada entidad. Es evidente que el contexto tiene que ver bastante en la producción y sus resultados, un ejemplo notorio, es en el caso de Baja California Sur, al examinar obra con la que sus representantes comenzaron a desarrollarse en la región, pareciera que estamos observando Arte Naif , decadentes de recursos técnicos, pero el progreso de esta zona es notorio y creciente, gracias a los pocos artistas que ampliaron su visión y expandieron su trabajo buscando nuevas opciones no solo en territorio Mexicano. Si bien estamos hablando de un trabajo que comenzó pobre, esto tiene una razón: la carencia de formación profesional y el comercio del arte. La ubicación geográfica obliga al Artista a ser creador comercial, como puede apreciarse en Baja California Sur.
La mayoría de los Artistas representantes de este estado son formados profesionalmente fuera del mismo, por la evidente carencia de escuelas y talleres de Arte, lo cual permite al Artista desarrollarse autónomamente, crear su propia línea de trabajo, explorar, conocer y ampliar su visión como artista y persona. Pocos son reconocidos por experimentar e innovar con la materia, es el caso de Nora White, artista que busca constantemente su línea de trabajo tratando de innovar con elementos nuevos como lo fue en su tiempo las imágenes cosntruidas por medio de telas.
Aníbal Angulo, quien explora con varias disciplinas ha sido maestro titular de grabado en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM, como fotógrafo viajó por los cinco continentes realizando trabajos para importantes editoriales de México, fue miembro del Salón de la Plástica Mexicana en 1976 y cofundador del Foro de Arte Contemporáneo y del Consejo Mexicano de fotografía en 1978. Indudablemente no solo un representante de B.C.S. sino de todo el País.
De esta zona se destacan artistas como: Jorge Hitchcock, Margarita Ruiz, Carlos Olachea, Efrén Olalde, Raúl Virgen, Eduardo Rojas, Rafael Chávez, entre muchos más.
En cuanto al estado de Baja California Norte a diferencia del anterior, es notoria la gran cantidad de representantes de esta región, la mayoría no nativos, provenientes de provincia u otros países. Es curioso que la gran mayoría radique en Tijuana, todos con la intención de buscar alternativas y trascendencia, con las herramientas que esta Ciudad caótica con gran diversidad ofrece.
Una vez mas hace presencia el contexto, el mismo que da pauta y marca el proceso creativo y reflexivo del artista. La frontera Norte de este País es un punto de partida que impulsa a muchos movimientos de gran importancia a nivel nacional e internacional, como lo es el surgimiento de inSITE, movimiento que dirigió el rumbo del Arte en la frontera a una etapa más madura, implementando nuevas disciplinas muy poco conocidas, pero que hoy son fundamentales y muy practicados por los artistas regionales, como lo es la instalación, la intervención y muchas otras modalidades que conllevan un Arte conciso, más maduro y conceptual. También hay que nombrar la Bienal Internacional Estandarte , programa que promueve nuevas expresiones de esta forma artística, considerada un nuevo género dentro de las artes plásticas, participando artistas mexicanos y del continente americano. El proyecto Tijuana la Tercera Nación, las convocatorias, talleres y galerías no se hicieron esperar, y hoy en día son un espacio accesible para todo público. Dichos movimientos han caracterizado a la región como un espacio activamente reproductor de Arte. El número de artistas que han trascendido la región es creciente: Julio Orozco, Marco Figueroa, Javier Galaviz, Franco Méndez Calvillo, Aldo Guerra, Benjamin Serrano, Miguel Nájera, Roberto Rosique, Claudia Algara, Hugo Sánchez, Manuel Varrona, Felipe Almada, Carmen Castrejón, entre otros. Todos ellos con un progreso notable, una técnica particular, una temática muy personal que expone la frontera y sus diversas caras, pero al final el contexto es indudablemente el componente oficial de cada obra.
Claudia Algara, ejemplo de artista contemporáneo interdisciplinario de la región, siempre incluyendo en sus trabajos nuevas formas de Arte, es miembro del Instituto Hemisférico de Performance y Política de la NYU, con quienes ha realizado estudios de performance en Nueva York, Lima y Buenos Aires. Su obra, es basada en su propia poesía, incluye trabajos de performance, música, video, intervención, arte sonoro, instalación y arte electrónico.
La diferencia que encuentro entre Baja California Norte y su frontera, a los estados de Sonora y Sinaloa, estos muy similares en la forma de producir Arte, aunque cabe mencionar que han tenido una evolución irrefutable. Las temáticas de sus inicios eran muy limitantes y pobres parecido al caso de Baja California Sur, a diferencia de su comercio, estos dos estados producen obra decorativa, un tanto comercial, o llamémosle cliché. Se aprecia que varios artistas siguen aun casados con el tradicionalismo, las piezas son clásicas, elementales y llegan a ser repetitivas. La mayoría de sus obras son tendencias tradicionales sin explorarlas y explotarlas para lograr un trabajo cautivador, como la escultura, pintura en murales, etc. Lo mismo sucede con la temática, aluden al gobierno, la historia de México e historias narrativas. Claro que no sucede lo mismo en toda la región, en el estado de Sonora hay representantes que se han arriesgado mas a proponer e indagar en las técnicas, como Taller Yonke, Gisel Rascon, Helga Krebs y otros.
En Sinaloa encontramos algunos artistas como Carlos Maciel ‘’Kijano’’, Alejandro Mojica con un estilo muy marcado, Alberto Padilla Quintero con un mercado más comercial, Leo Salgad, Alavaro Blancarte quien Estudió en el Taller de Artes Plásticas de la Universidad de Sinaloa. Realiza estudios en Artes en España, Inglaterra y Francia. Fundador de la Escuela de Artes y Oficios en la Universidad de Sinaloa, así como el Taller de Artes Plásticas de la Casa de la Cultura de Tepepan, Estado de México y fundador también y maestro actual del Taller de Artes Plásticas U.A.B.C.
Artista con una amplia trayectoria de innovaciones y búsquedas en el Arte.
Es incuestionable que el trabajo producido en la frontera tiene un valor único, contrario a los demás estados, el contexto, la sociedad, la diversidad de culturas, de géneros, de razas, enriquecen y aportan algo singular al trabajo artístico.
martes, 31 de mayo de 2011
Estela Hussong: naturaleza en Baja California
Análisis de la Plástica del Noroeste
Mtro. Roberto Rosique
Estela Hussong: naturaleza en Baja California
Por Ana Perla Acosta Torres. blackusagi.art@hotmail.com
"Al ver la papaya, se me hizo irresistible no pintarla. Todas las emociones se me van acumulando y siento cada momento. Esa inmensa alegría,
necesito imperiosamente plasmarla".
Estela Hussong
El arte actual de las regiones mexicanas del Norte, se ha destacado gracias a artistas, que desde luego han innovado el arte en México, formando una nueva generación que consecutivamente inspiran a los nuevos, a buscar y a crear algo completamente nuevo, que concientice a un público, que agrade, logrando hacer hoy en día que el arte esté bien posicionado en una sociedad que poco a poco acepta y entiende la importancia de este. Estela Hussong una artista ensenadense, que comprende la importancia del arte en la sociedad, más en un estado fronterizo saturado de ideas mixtas en donde diferentes culturas y entornos sociales se juntan, Estela, ha logrado encontrar la armonía y la belleza natural de los elementos de su estado, realzando a su estilo en el nuevo arte contemporáneo.
Estela Hussong nace en ensenada en 1950, junto con toda una nueva generación de artistas que para los 80s y 90s habrán innovado el arte en la frontera norte y en México. Con la llegada del arte contemporáneo, Estela demuestra que además del abstraccionismo y los temas políticos, también cabe en el arte contemporáneo un arte que habla más sobre la naturaleza de su región. Con un estilo único al dibujar y su amplio interés en la naturaleza, en 1968 cursa la carrera psicología, siendo realmente en 1978 cuando comienza a pintar y expresar sus inquietudes, estudiando en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” en México D.F.
Estela no nada más pinta desiertos y mares con su zoología y botánica que lo componen, o los resto de las arquitecturas de sus predecesores: hace un buen uso del color y la forma con una rica variedad de técnicas para, de este modo, condensar espacios nuevos, donde, demás, no ha habido arrepentimientos para llenar vacíos ni temor a la sencillez y mucho menos intentos por copiar la fidelidad de la naturaleza; no así su esencia, que, enriquecida con su habilidad creativa, la ofrece para regodeo del espectador en provocativas atmosferas desbordadas de reminiscencias (Rosique, 2004:.99).Estela siempre respetará cada uno de los valores plásticos en sus obras, tratando cada detalle, el color y la forma, con la pasión en que puede pintar un pétalo delicadamente, equilibrando cada uno de sus valores, los que siempre le darán la armonía en sus obras. Estela trabaja con colores sepias, castaños, grises y azules en distintos tonos, lo que provoca en sus obras ese agradable sentimiento de estar viendo dibujos botánicos de la antigüedad.
Otra de las características de las obras de Estela es que suele usar grecas o grifos, formando simbologías que pueden evocar a las civilizaciones antiguas de la región en donde ella nació.
A partir de los 80s Estela comenzó a exponer sus obras en colectivas ganando premios el de la como “la V Bienal de la Plástica de Baja California en 1985, mención honorifica en la II Bienal Iberoamericana Diego Rivera en 1984 y el Primer en la V Bienal de la Plástica de Baja California en 1985.
Ha participado en más de 14 exposiciones individuales y más de 35 exposiciones colectivas en México y Estados Unidos, posicionándose como una de las artistas bajacalifornianas más reconocidas del país y en el extranjero.
El papel de arroz es uno de los soportes más usados por Estela, en donde hace de sus piezas una obra más delicada, donde sus dibujos muestran un trazo suave, plasmando higueras, amapolas o solo plantas silvestres. El lienzo y la madera también son frecuentes en las obras de Estela Hussong, ya sea en óleo o temple. La delicadeza, suavidad y cuidado del detalle de sus obras se hacen notar, empleando pigmentos de gran espesor o incluso pudiendo ser trazos más firmes que los de un dibujo. Estela se empeña en demostrar la aparente fragilidad, simplicidad y exquisitez de lo que traza y colorea, como una manera puntual de hacernos ver ese universo que a la mirada común pasa desapercibido (Rosique, 2005:.1).
Su visión, por subjetiva, rompe con la propagación de las imágenes vacías; la fuerza que irradia la flor, tanto en la naturaleza como en la obra plástica de esta mujer habitante del desierto, subraya el triunfo momentáneo de la vida sobre la muerte (Covarrubias, 1998-1999:.1).
Estela Hussong es sin duda una de las artistas más sobre salientes en el arte mexicano, sobre por qué sus obras tocan un tema que actualmente no se le presta atención como es la naturaleza, y sobre todo, porque hace resaltar la cultura local y lo que en algún momento existió, que hoy en día es una gran aportación cultural a la sociedad de su estado natal. Baja California es un estado que alberga cientos de artistas y con un potencial cultural que se expande día con día, posicionándose como sede de eventos artísticos de gran importancia, se ha caracterizado por tener artistas sobresalientes como Estela, que fue una de las impulsoras del arte local que hasta la fecha sigue sido una artista activa que ha tenido la oportunidad de llevar el arte bajacaliforniano más allá de las fronteras con un estilo delicado, elegante y natural; siendo sin duda una gran influencia para la nueva generación artistas que busca algo más que solo hacer arte.
Bibliografía
Covarrubias, Mito, 1998-1999, Estela Hussong. Encuentros y desencuentros, http://www.mexicodesconocido.com.mx/estela-hussong.-encuentros-y-desencuentros.html
Rosique, Roberto, 2005, El arte de Estela Hussong: una sensible evocación de la originalidad en la sencillez, http://robertorosique.blogspot.com/2005/09/amapolas-by-estela-hussong-oleo-sobre.html
Rosique, Roberto, 2004, Hacedores de imágenes: Plástica Baja Californiana contemporánea, Baja California, México.
Mtro. Roberto Rosique
Estela Hussong: naturaleza en Baja California
Por Ana Perla Acosta Torres. blackusagi.art@hotmail.com
"Al ver la papaya, se me hizo irresistible no pintarla. Todas las emociones se me van acumulando y siento cada momento. Esa inmensa alegría,
necesito imperiosamente plasmarla".
Estela Hussong
El arte actual de las regiones mexicanas del Norte, se ha destacado gracias a artistas, que desde luego han innovado el arte en México, formando una nueva generación que consecutivamente inspiran a los nuevos, a buscar y a crear algo completamente nuevo, que concientice a un público, que agrade, logrando hacer hoy en día que el arte esté bien posicionado en una sociedad que poco a poco acepta y entiende la importancia de este. Estela Hussong una artista ensenadense, que comprende la importancia del arte en la sociedad, más en un estado fronterizo saturado de ideas mixtas en donde diferentes culturas y entornos sociales se juntan, Estela, ha logrado encontrar la armonía y la belleza natural de los elementos de su estado, realzando a su estilo en el nuevo arte contemporáneo.
Estela Hussong nace en ensenada en 1950, junto con toda una nueva generación de artistas que para los 80s y 90s habrán innovado el arte en la frontera norte y en México. Con la llegada del arte contemporáneo, Estela demuestra que además del abstraccionismo y los temas políticos, también cabe en el arte contemporáneo un arte que habla más sobre la naturaleza de su región. Con un estilo único al dibujar y su amplio interés en la naturaleza, en 1968 cursa la carrera psicología, siendo realmente en 1978 cuando comienza a pintar y expresar sus inquietudes, estudiando en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” en México D.F.
Estela no nada más pinta desiertos y mares con su zoología y botánica que lo componen, o los resto de las arquitecturas de sus predecesores: hace un buen uso del color y la forma con una rica variedad de técnicas para, de este modo, condensar espacios nuevos, donde, demás, no ha habido arrepentimientos para llenar vacíos ni temor a la sencillez y mucho menos intentos por copiar la fidelidad de la naturaleza; no así su esencia, que, enriquecida con su habilidad creativa, la ofrece para regodeo del espectador en provocativas atmosferas desbordadas de reminiscencias (Rosique, 2004:.99).Estela siempre respetará cada uno de los valores plásticos en sus obras, tratando cada detalle, el color y la forma, con la pasión en que puede pintar un pétalo delicadamente, equilibrando cada uno de sus valores, los que siempre le darán la armonía en sus obras. Estela trabaja con colores sepias, castaños, grises y azules en distintos tonos, lo que provoca en sus obras ese agradable sentimiento de estar viendo dibujos botánicos de la antigüedad.
Otra de las características de las obras de Estela es que suele usar grecas o grifos, formando simbologías que pueden evocar a las civilizaciones antiguas de la región en donde ella nació.
A partir de los 80s Estela comenzó a exponer sus obras en colectivas ganando premios el de la como “la V Bienal de la Plástica de Baja California en 1985, mención honorifica en la II Bienal Iberoamericana Diego Rivera en 1984 y el Primer en la V Bienal de la Plástica de Baja California en 1985.
Ha participado en más de 14 exposiciones individuales y más de 35 exposiciones colectivas en México y Estados Unidos, posicionándose como una de las artistas bajacalifornianas más reconocidas del país y en el extranjero.
El papel de arroz es uno de los soportes más usados por Estela, en donde hace de sus piezas una obra más delicada, donde sus dibujos muestran un trazo suave, plasmando higueras, amapolas o solo plantas silvestres. El lienzo y la madera también son frecuentes en las obras de Estela Hussong, ya sea en óleo o temple. La delicadeza, suavidad y cuidado del detalle de sus obras se hacen notar, empleando pigmentos de gran espesor o incluso pudiendo ser trazos más firmes que los de un dibujo. Estela se empeña en demostrar la aparente fragilidad, simplicidad y exquisitez de lo que traza y colorea, como una manera puntual de hacernos ver ese universo que a la mirada común pasa desapercibido (Rosique, 2005:.1).
Su visión, por subjetiva, rompe con la propagación de las imágenes vacías; la fuerza que irradia la flor, tanto en la naturaleza como en la obra plástica de esta mujer habitante del desierto, subraya el triunfo momentáneo de la vida sobre la muerte (Covarrubias, 1998-1999:.1).
Estela Hussong es sin duda una de las artistas más sobre salientes en el arte mexicano, sobre por qué sus obras tocan un tema que actualmente no se le presta atención como es la naturaleza, y sobre todo, porque hace resaltar la cultura local y lo que en algún momento existió, que hoy en día es una gran aportación cultural a la sociedad de su estado natal. Baja California es un estado que alberga cientos de artistas y con un potencial cultural que se expande día con día, posicionándose como sede de eventos artísticos de gran importancia, se ha caracterizado por tener artistas sobresalientes como Estela, que fue una de las impulsoras del arte local que hasta la fecha sigue sido una artista activa que ha tenido la oportunidad de llevar el arte bajacaliforniano más allá de las fronteras con un estilo delicado, elegante y natural; siendo sin duda una gran influencia para la nueva generación artistas que busca algo más que solo hacer arte.
Bibliografía
Covarrubias, Mito, 1998-1999, Estela Hussong. Encuentros y desencuentros, http://www.mexicodesconocido.com.mx/estela-hussong.-encuentros-y-desencuentros.html
Rosique, Roberto, 2005, El arte de Estela Hussong: una sensible evocación de la originalidad en la sencillez, http://robertorosique.blogspot.com/2005/09/amapolas-by-estela-hussong-oleo-sobre.html
Rosique, Roberto, 2004, Hacedores de imágenes: Plástica Baja Californiana contemporánea, Baja California, México.
Arte Urbano de Baja California
Análisis de la Plástica del Noroeste
Irene Noguerón Gallaga. inoga. mindperformance@hotmail.com
Arte Urbano de Baja California
Todo tipo de arte en cada entidad tiene sus propios antecedentes de acuerdo a su entorno, tanto social como de localización; y el arte urbano no es la excepción.
El arte urbano o callejero como suele nombrársele, abarca todo el arte expresado en la calle, popularmente de manera ilegal, pero este no siempre es el caso ya que este tipo de arte también se hace a través de medios legales, con permisos y patrocinios.
Se podría decir que el arte urbano no es visto como tal por la mayoría de la población ya que lo asocian con vandalismo o con ruido visual, hablando del graffiti, ya que muchas de estas personas han sido víctimas del vandalismo a sus casas o conocen a alguien que lo ha sido, pero normalmente este acto es cometido por los conocidos como ‘taggers’ y sus famosos ‘tags’ que no es más que una simple firma hecha con aerosol que utilizan para marcar cualquier lugar al que tengan acceso con tal de dejar un rastro de ellos y, aunque los ‘tags’ han dado mala fama al graffiti, algunos artistas urbanos empiezan como ‘taggers’ y al encontrar un gusto por el manejo del empleo del aerosol, han buscado algo más que crear hasta llegar a ser verdaderos íconos de la comunidad artística.
Normalmente el arte urbano consiste en murales, pósters, pegatinas, esténciles, graffiti, aunque podemos encontrar también la escultura, la instalación y la intervención, finalmente todo arte realizado en la calle puede ser considerado como arte urbano.
Baja California cuya condición fronteriza le ha ejercido una especial influencia sobre el arte que se ha creado a lo largo de los años. La última década de la historia de Baja California ha estado plagada de violencia, todos sus municipios convertidos en campos de batalla del narcotráfico; la inseguridad es latente, cuya colindancia con Estados Unidos han influenciado en gran manera a Baja California creando una cultura hibrida, entre el orgullo por la historia de México y la cultura pop de los estadounidenses.
En la década de los ochentas comenzó en Baja California el boom del graffiti y Tijuana se vio influenciada por Los Ángeles, Ca., con la llegada de la música hip-hop y toda su cultura.
Esto se ha visto reflejado en el muralismo de las ciudades en gran medida al plasmar personajes y monumentos históricos o populares de ambos países en una misma obra artística e integrándolos para hacer alusión a esta hibridez con ironía, que muchas veces toma forma de crítica contra las sociedades o sus gobiernos y movimientos políticos, pero este tipo de arte, crítico en su mayoría, no es hecho de manera totalmente legal ya que no existe mucha gente con dinero o espacios disponibles privados o gubernamentales que los patrocinaran. Pero no todo el arte urbano busca la crítica, lo que persigue es sorprender a los transeúntes al integrar el arte a lugares públicos, donde el esfuerzo del artista se verá reflejado en la respuesta del público, ya sea de aceptación o de rechazo.
Un grupo conocido de arte urbano es el HEM Crew, que se dedican al graffiti, y son originarios de Tijuana, que después lograron integrar a artistas internacionales.
Uno de sus integrantes, Chente, explicó en una entrevista de TijuanaBeatz, cómo a sus diez años, en 1984, tuvo gran influencia del hip-hop que había llegado a Tijuana desde Los Ángeles, incluyendo la vestimenta y los murales que se hacían ahí. Chente explica cómo empezó a rayar en pandillas de la ciudad de Tijuana pero también cómo pronto, quiso alejarse de ellos por la problemática de la violencia en la que se veían, y que aún se ven, involucradas las pandillas, pero nunca dejó el graffiti. Y para finales de los ochentas ya empezaba a hacer murales donde sus días de pandillero no tenían nada que ver y fue por esos años en los que obtuvo los libros Subway Art y Spraycan Art, primero prestados y luego logro obtener una copia propia; estos dos libros se convirtieron en sus biblias. Estos libros mostraban en su mayoría el arte urbano de Nueva York, pero de ahí fueron reconociendo técnicas y aplicándolas con sus propios conceptos. En el 89 él y sus amigos entraron en contacto con el HEW Crew, tiempo en que Chente dice que el rayar se había convertido en un vicio para él.
En el 91, él y el HEW Crew decidieron dedicarse a dejar su huella en la ciudad de Tijuana ya que decían que en la ciudad no había graffiti y los que si existían se encontraban en lugares escondidos y apartados del público en general, a partir de ese momento se dedican a exponer su arte en las calles, llevándolo también a San Diego, algunos sin visa ya que podían cruzar con solo la frase american citizen, por supuesto que esto fue antes de lo ocurrido el 11 de Septiembre y toda la paranoia que generó en los estados fronterizos y en los países en general. El grupo cruzaba la frontera con las mochilas llenas de botes de pintura y no paraban de crear hasta. Se expandieron y su exposición fue tanta que muchos residentes de San Diego querían unirse al HEM Crew, pero al sur de la frontera, Baja California, aún se menospreciaba este tipo de arte. El trabajo de HEM ahora es reconocido y respetado en varias partes del mundo como, al igual que sus integrantes provienen de diversos lugares. El trabajo del HEM Crew también ha llegado a museos y festivales de arte.
Creo que el arte urbano de Baja California lleva influencia de casi todo el mundo al ser un punto de encuentro directo de dos culturas, donde otras más llegan a ver este hibrido tan interesante y a veces se quedan, aportando de su propio pensamiento y punto de vista que logra crear nuevos conceptos para el arte. Aunque la mayoría del arte callejero de Baja California está conformado por murales, graffiti, pegatinas, stenciles o pósters basados en la cultura popular y en su entorno social, también existen muchos murales a petición del gobierno estatal que normalmente hacen alusión a la historia del municipio donde se encuentren, a la historia general de México o al entorno ecológico que quieran dar a conocer en la entidad. También las esculturas son parte del arte urbano del estado, pero no parece haber una proliferación de ellas en el arte urbano actual; la mayoría de las que se conocen son las casi abandonadas esculturas representativas de personajes históricos. Creo que el arte callejero debe expandirse a otras áreas del arte como la intervención y la instalación para que sorprenda al público que aún no llega dar un poco de su tiempo a este tipo de arte.
Irene Noguerón Gallaga. inoga. mindperformance@hotmail.com
Arte Urbano de Baja California
Todo tipo de arte en cada entidad tiene sus propios antecedentes de acuerdo a su entorno, tanto social como de localización; y el arte urbano no es la excepción.
El arte urbano o callejero como suele nombrársele, abarca todo el arte expresado en la calle, popularmente de manera ilegal, pero este no siempre es el caso ya que este tipo de arte también se hace a través de medios legales, con permisos y patrocinios.
Se podría decir que el arte urbano no es visto como tal por la mayoría de la población ya que lo asocian con vandalismo o con ruido visual, hablando del graffiti, ya que muchas de estas personas han sido víctimas del vandalismo a sus casas o conocen a alguien que lo ha sido, pero normalmente este acto es cometido por los conocidos como ‘taggers’ y sus famosos ‘tags’ que no es más que una simple firma hecha con aerosol que utilizan para marcar cualquier lugar al que tengan acceso con tal de dejar un rastro de ellos y, aunque los ‘tags’ han dado mala fama al graffiti, algunos artistas urbanos empiezan como ‘taggers’ y al encontrar un gusto por el manejo del empleo del aerosol, han buscado algo más que crear hasta llegar a ser verdaderos íconos de la comunidad artística.
Normalmente el arte urbano consiste en murales, pósters, pegatinas, esténciles, graffiti, aunque podemos encontrar también la escultura, la instalación y la intervención, finalmente todo arte realizado en la calle puede ser considerado como arte urbano.
Baja California cuya condición fronteriza le ha ejercido una especial influencia sobre el arte que se ha creado a lo largo de los años. La última década de la historia de Baja California ha estado plagada de violencia, todos sus municipios convertidos en campos de batalla del narcotráfico; la inseguridad es latente, cuya colindancia con Estados Unidos han influenciado en gran manera a Baja California creando una cultura hibrida, entre el orgullo por la historia de México y la cultura pop de los estadounidenses.
En la década de los ochentas comenzó en Baja California el boom del graffiti y Tijuana se vio influenciada por Los Ángeles, Ca., con la llegada de la música hip-hop y toda su cultura.
Esto se ha visto reflejado en el muralismo de las ciudades en gran medida al plasmar personajes y monumentos históricos o populares de ambos países en una misma obra artística e integrándolos para hacer alusión a esta hibridez con ironía, que muchas veces toma forma de crítica contra las sociedades o sus gobiernos y movimientos políticos, pero este tipo de arte, crítico en su mayoría, no es hecho de manera totalmente legal ya que no existe mucha gente con dinero o espacios disponibles privados o gubernamentales que los patrocinaran. Pero no todo el arte urbano busca la crítica, lo que persigue es sorprender a los transeúntes al integrar el arte a lugares públicos, donde el esfuerzo del artista se verá reflejado en la respuesta del público, ya sea de aceptación o de rechazo.
Un grupo conocido de arte urbano es el HEM Crew, que se dedican al graffiti, y son originarios de Tijuana, que después lograron integrar a artistas internacionales.
Uno de sus integrantes, Chente, explicó en una entrevista de TijuanaBeatz, cómo a sus diez años, en 1984, tuvo gran influencia del hip-hop que había llegado a Tijuana desde Los Ángeles, incluyendo la vestimenta y los murales que se hacían ahí. Chente explica cómo empezó a rayar en pandillas de la ciudad de Tijuana pero también cómo pronto, quiso alejarse de ellos por la problemática de la violencia en la que se veían, y que aún se ven, involucradas las pandillas, pero nunca dejó el graffiti. Y para finales de los ochentas ya empezaba a hacer murales donde sus días de pandillero no tenían nada que ver y fue por esos años en los que obtuvo los libros Subway Art y Spraycan Art, primero prestados y luego logro obtener una copia propia; estos dos libros se convirtieron en sus biblias. Estos libros mostraban en su mayoría el arte urbano de Nueva York, pero de ahí fueron reconociendo técnicas y aplicándolas con sus propios conceptos. En el 89 él y sus amigos entraron en contacto con el HEW Crew, tiempo en que Chente dice que el rayar se había convertido en un vicio para él.
En el 91, él y el HEW Crew decidieron dedicarse a dejar su huella en la ciudad de Tijuana ya que decían que en la ciudad no había graffiti y los que si existían se encontraban en lugares escondidos y apartados del público en general, a partir de ese momento se dedican a exponer su arte en las calles, llevándolo también a San Diego, algunos sin visa ya que podían cruzar con solo la frase american citizen, por supuesto que esto fue antes de lo ocurrido el 11 de Septiembre y toda la paranoia que generó en los estados fronterizos y en los países en general. El grupo cruzaba la frontera con las mochilas llenas de botes de pintura y no paraban de crear hasta. Se expandieron y su exposición fue tanta que muchos residentes de San Diego querían unirse al HEM Crew, pero al sur de la frontera, Baja California, aún se menospreciaba este tipo de arte. El trabajo de HEM ahora es reconocido y respetado en varias partes del mundo como, al igual que sus integrantes provienen de diversos lugares. El trabajo del HEM Crew también ha llegado a museos y festivales de arte.
Creo que el arte urbano de Baja California lleva influencia de casi todo el mundo al ser un punto de encuentro directo de dos culturas, donde otras más llegan a ver este hibrido tan interesante y a veces se quedan, aportando de su propio pensamiento y punto de vista que logra crear nuevos conceptos para el arte. Aunque la mayoría del arte callejero de Baja California está conformado por murales, graffiti, pegatinas, stenciles o pósters basados en la cultura popular y en su entorno social, también existen muchos murales a petición del gobierno estatal que normalmente hacen alusión a la historia del municipio donde se encuentren, a la historia general de México o al entorno ecológico que quieran dar a conocer en la entidad. También las esculturas son parte del arte urbano del estado, pero no parece haber una proliferación de ellas en el arte urbano actual; la mayoría de las que se conocen son las casi abandonadas esculturas representativas de personajes históricos. Creo que el arte callejero debe expandirse a otras áreas del arte como la intervención y la instalación para que sorprenda al público que aún no llega dar un poco de su tiempo a este tipo de arte.
lunes, 30 de mayo de 2011
Marta Palau y su acercamiento al imaginario étnico bajacaliforniano
Marta Palau y su acercamiento al imaginario étnico bajacaliforniano.
Análisis de la Plástica del Noroeste
Nombre: Yadira Noble González
mao_enhady7@hotmail.com
Marta Palau es una reconocida artista a nivel nacional e internacional por su producción plástica y promoción de cultura, creando, además, la Bienal Internacional de Estandartes en Tijuana, Baja California. Es en ésta zona donde reside y donde ha dado sus aportaciones, siendo considerada, incluso, la artista más influyente en el noroeste de México.
El aspecto que más me llama la atención de su obra e investigación es la realizada en los grupos indígenas en la región, apropiándose de su imaginario mitológico, simbólico y matérico. Y aquí reside gran importancia, pues ha sido de las primeras artistas (sino la única) en acercarse a los grupos étnicos bajacalifornianos tales como los Kiliwas, los Pai-Pai y los Kumiai.
Sin embargo, respecto a su obra, es difícil deducir si defiende un indigenismo[1] bajacaliforniano, si tan sólo presenta los fetiches de una cultura o si su obra se convierte en una propuesta a reflexionar sobre nuestros orígenes ancestrales en rescate de una búsqueda espiritual y ritualista; tal es la divergente inspiración que ha ocasionado en sus críticos a escribir en sus publicaciones. De la misma manera sería interesante preguntarnos qué función cumple el hecho de llevar los objetos de estas comunidades a los grandes museos entre las tres suposiciones generales otorgadas a su discurso[2].
Marta Palau nace en Albesa, Lleida (España) en 1934, pero vive en México desde 1940. Estudió en la Esmeralda (1955- 1965). Actualmente vive en D.F., pero ha pasado gran tiempo Tijuana, tiempo aprovechado para visitar los grupos étnicos cercanos. Creció ella en el ambiente artístico de los 60´s y mostró ser rebelde ante los movimientos de ruptura. Francisco Reyes Palma describe como, posteriormente al muralismo mexicano, surgieron dos tendencias: el formalismo, con tendencia abstracta geométrica y gestual, apoyado de una influencia “internacional” (realmente, occidentalizada) Vs. nacientes figuraciones y un nuevo humanismo. El formalismo consideraba innecesario ahondar dichos temas por su carácter particular, entonces “la verdadera "ruptura" estaba en la trasgresión de las disciplinas de producción artística, así como en una reflexión sobre la identidad, los mitos y la condición periférica de las artes en México”[3]. Fue entonces que Marta obtuvo otras influencias tales como el Land Art, al utilizar materiales orgánicos de un contexto, del arte feminista al hacer uso de artesanías (actividades relacionadas al ámbito de las mujeres) en sus llamadas Nauallis[4], y la exploración de materiales y nuevas formas escultóricas vinculadas al posminimalismo o abstracción excéntrica. Practica, también, la escultura blanda.
Así, manifestado, el arte de Marta recurre a elementos orgánicos: arcilla, tierra en sus diferentes estados, madera, ramas, hojas, tejidos, piedras y papel amatl (hecho de la corteza de árbol de higo, usado por los aztecas), entre otros, manejados tradicionalmente en cerámica, pintura y arte textil. En sí, los mismos materiales cobran una alusión a cierta localización, población y avance tecnológico (precario, en este caso). Las formas utilizadas son simbólicas, es decir, partirá de óvalos, figuras antropomorfas, altares en forma de círculos (donde también retoma estructuras como los monolitos) y manos. Sobre su exhibición Naualli Mano Poderosa (octubre 2005) en la Galería Art & Idea, Fernando Rojo Bentacur menciona las diferentes concepciones que tendría la mano en varias culturas:
El hombre de las cavernas se inmortalizó mediante el arte rupestre utilizando como pincel la mano pigmentada con la que dejó huella y testimonio de su eternidad, de su psique y de su espíritu, sobre la roca. (…) el hombre rupestre orquestó un compendio de su imaginario, y accedió a los estados superiores de conciencia mediante la apropiación, conjura, manipulación y sometimiento del poderoso maná[5] de diversos seres espirituales. (p. 10).
Fernando Rojo mencionaría aquí un cualidad característica de la obra de Marta, tanto de aquella que se apropia (el arte rupestre), y éste es el fetichismo, es decir, como un objeto nos representa y un universo espiritual y mitológico, mediando entre nuestra realidad y otra un tanto metafísica. Los fetiches son símbolos de las divinidades que representan, (…) y personifican sus potencias (2009).
Otro de los recursos del discurso plástico de Marta consiste en la reivindicación de las pinturas rupestres de Baja California, en 1993, declaradas por la UNESCO “Patrimonio de la Humanidad en la adyacente Sierra de San Francisco”. Palau descubriría su potencial expresivo y lo explotaría en las obras Los que quedan: muro transitable (Centro Cultural Tijuana, 2001), donde 250 pies hechos de vinílico se adhieren a un lienzo de 45 metros haciendo referencia a las etnias del estado; y en la serie War Games (2003), donde para plasmar figuras antropomorfas maneja el efecto negativo, el estarcido, una técnica surgida del arte prehistórico.
La metáfora utilizada en Nómadas II (1999) y Doble muro (2006) parece ser la más interesante en cuanto al tema de la migración. Ambas instalaciones, aparentemente ambientadas para diferentes contextos demuestran un hecho particular de la región noroeste del país. La primera consiste en 250 pies chicos acompañados de uno en grandes dimensiones, todos hacía una misma dirección. Doble muro presenta dos series de escaleras enfiladas, simulando muros. Entre las dos, se encuentra una figura humana hecha de petate, recostada en el suelo. Si pensáramos que Nómadas II refiere en un sentido común al tránsito de las culturas indígenas del noroeste[6] y Doble muro hiciera énfasis en la barda que divide Tijuana- Estados Unidos (las escaleras como punto de apoyo para cruzarse al otro lado), veríamos la curiosa coincidencia histórica que identifica el área: tanto en la prehistoria como en nuestra época actual, la población busca la migración para encontrar los recursos de sustentabilidad.
¿Por qué es significativa una reivindicación de la identidad indígena en Baja California, especialmente Tijuana?
Siendo una ciudad que sirve como lanzamiento para los migrantes que desean llegar a Estados Unidos, una ciudad donde la mayoría de su población proviene del resto del país y donde convergen distintas culturas y modos de pensar, cuya diversidad es fascinante y extraordinaria, pero, también es fragmentada. Tijuana nos hace sentir que vamos de paso, hacernos sentir que es un medio para llegar a algo más, pero nunca para mantenernos ahí. ¿Cuántas veces no se ha escuchado gente de diferentes estados del país que recuerdan con mucho cariño la hermosura de su lugar de origen, y, en cambio, llegan a Tijuana y comienzan a cometer desmanes sin importarles donde “tiran su basura”[7]? ¿No es una costumbre que nos dejaron los turistas americanos al venir a Tijuana? ¿No era Tijuana el lugar de los casinos donde todos podían practicar sus vicios?
Existe tal desdén hacia esta zona, existe cierta obligatoriedad de permanecer aquí por necesidad, a tal punto, que en ocasiones no puede evitarse el desbordamiento (migración). Entonces, ¿puede el formarnos una identidad como región cambiar esta situación? Investigar sobre algo propio de la región, como el patrimonio local, ¿puede fomentar tal identidad, que a su vez, haga mostrar consideración o aprecio a la ciudad? Independientemente de suposiciones pseudo-moralistas aquí mencionadas[8], es un hecho que la ignorancia de la población bajacaliforniana hacia las tribus étnicas es muy grande, o lo que es, desconocer la cultura local.
Si realizando obra que investigue sobre nuestros orígenes (como muchas veces se le atribuye esa reflexión de identidad a la obra de Marta Palau), tanto de carácter histórico como cultural, se lograra un tal estado artístico en la región, cierto mérito que marca el inicio lo tendría ella, y nos dejaría con la sugestión de continuar su línea…
Bibliografía
ü Abelleyra, Angélica. (2007). Mujeres insumisas. Monterrey: Universidad Autónoma de Nuevo León.
ü Fernandez Fernandez, José M. (2009). Indigenismo. En Román Reyes (Dir): Diccionario Crítico de Ciencias Sociales. Terminología Científico-Social, Tomo 1/2/3/4, Ed. Plaza y Valdés, Madrid-México.
ü Reyes Palma, Francisco. Marta Palau: a cuatro voces. Recuperado el 29 de mayo de 2011 en http://www.martapalau.com/uploads/MartaPalaucuatrvoce.htm
ü Rojo Bentacur, Fernando A. Marta Palau, Instalaciones Mano Poderosa 1, 2 y 3: Imágenes Espectaculares y desdoblamientos de una identidad. Recuperado el 29 de mayo de 2011 en http://www.martapalau.com/uploads/pub_arteamerica.pdf
ü Rojo Bentacur, Fernando A. (2009). Resignificaciones del pensamiento mágico ancestral y del arte rupestre mesoamericano: La obra de arte como fetiche contemporáneo. Recuperado el 29 de mayo de 2011 en http://www.rupestreweb.info/artefetiche.html
[1] Término que, manejado por el Instituto Indigenista Interamericano, se refiere a la “formulación política y una corriente ideológica, fundamentales ambas para muchos países de América, en términos de su viabilidad como naciones modernas, de realización de su proyecto nacional y definición de su identidad”.
[2] Esta cuestión a pensarse quedaría tan sólo como sugerencia, aunque no sea la intención principal sobre este ensayo, que consiste en explorar su obra. Adentrarse en la muy debatida función de los museos nos alejaría del enfoque señalado.
[3] Reyes, Francisco. Marta Palau a cuatro voces.
[4] Nombre que otorga Marta en náhuatl a las hechiceras, guerreras, curanderas y otros roles que atribuye a mujeres que han dejado de ser un objeto sexual para adquirir un poder que se considera de los hombres. Así les otorga un carácter andrógino.
[5] Cita Rojo Bentacur a Freud: “Fuerza mágica misteriosa, autónoma e inherente a objetos tabú, o a entidades espirituales: animales o vegetales, que habitan en la naturaleza”. (Freud, Sigmund. Tótem y Tabú. Capítulo 2: ‘El tabú y la ambivalencia de los sentimientos’, Alianza Editorial, Madrid, 1972, p. 29).
[6] El carácter nómadas de estos grupos se debió a que no lograron desarrollar la agricultura como medio de sustento, por lo tanto, sus principales actividades consistían en la caza y la recolección de frutas
[7] Por poner un ejemplo…
[8] Que bien podría abrirse a debate, ¿debe la población de Tijuana tener un espíritu de identidad, de pertenencia, siendo una ciudad cosmopolita?
sábado, 28 de mayo de 2011
INGRID HERNANDEZ. FOTOGRAFA
UNIVERSIDAD AUTONOMA DE BAJA CALIFORNIA
MATERIA:
ANALISIS DE LA PLASTICA DEL NOROESTE
NOMBRE:
MENDOZA SANTOS GRACIELA
SALON:
261
INVESTIGACION:
INGRID HERNANDEZ
INGRID HERNANDEZ
Por: MENDOZA SANTOS GRACIELA. graciela.mendoza.santos@gmail.com
Lo que abordaremos en esta investigación es acerca de una artista y socióloga de nombre Ingrid Hernández presentaré un poco de su vida y de su trayectoria, así como una breve explicación de sus obras y reflexiones acerca de sus proyectos.
Ingrid Hernández, nació en el año de 1974, en la ciudad de Tijuana B.C. comenzó sus primeros estudios de fotografía mientras asistía a la preparatoria, después estudia la carrera de Sociología en la UABC y una Maestría en Administración Integral del Ambiente en el Colegio de la Frontera Norte.
En el año 2003 decidió abandonar la academia para dedicarse de tiempo completo a tomar fotografías en asentamientos irregulares de la ciudad de Tijuana. Ha expuesto su trabajo fotográfico en exhibiciones nacionales e internacionales, específicamente en Estados Unidos, México y Europa. Ha formado parte del cuerpo académico de la Escuela de Artes de la UABC y de la Escuela Superior de Artes Visuales, donde ha impartido clases de Antropología visual y el Seminario de Teoría y Lenguaje Fotográfico, con diez años de experiencia en la docencia ha sido maestra, investigadora y tallerista en instituciones educativas y asociaciones independientes en México y Bogotá. Entre sus becas y distinciones destacan el premio de adquisición de la Bienal Universitaria de Arte Contemporáneo (UABC, 2007), Jóvenes Creadores (FONCA, 2008-2009) entre otras.
El trabajo de Ingrid Hernández me pareció muy interesante ya que capta con el lente de su cámara ambientes (des)conocidos alejados de la realidad cotidiana, donde considera los espacios públicos como propios y privados, es como si escucháramos las conversaciones de los desconocidos, es adentrarse a lo inexplorado y después se convierta en conocido.
Me llama la atención que a través de sus fotografías presente trabajos de su ciudad, que haga ver la realidad desde otros rumbos incognitos, que haga ver lo que no se ve a simple vista, que es ignorado por la gente misma, por nosotros y que tal vez no nos damos cuenta de esa realidad que está a nuestro alrededor . Nos presenta una visión de la realidad desde puntos diferentes.
Ingrid Hernández presenta espacios domésticos, en el lugar más intimo del ser humano, en donde se proyectan nuestras creencias, deseos y expectativas.
Ingrid tuvo varias colaboraciones documentales importantes. Una de ellas trata sobre hombres que viven en un centro de rehabilitación; al mismo tiempo en el que estaba colaborando en esa producción, Ingrid ya había comenzado un proyecto de fotografía sobre el tema de la vivienda en los asentamiento irregulares de Tijuana, aquellas zonas habitadas en terrenos que no pertenecen a sus habitantes, los cuales en su mayoría construyen sus humildes casas con materiales de reuso o de desecho, como piezas de madera, lamina y plástico. Para desarrollar este proyecto partió de una metodología basada en técnicas de investigación social, conjugando elementos bibliográficos, entrevistas, observaciones y fotografías. En los que cada proyecto se inicia por recorridos a la ciudad para ubicar asentamientos que posteriormente visita durante largos periodos de tiempo. Para lo cual hace una búsqueda de lugares de la ciudad que no se ven con regularidad. Llama la atención esta parte de su proceso de trabajo ya que se compromete de tal manera que estudia a fondo el modo de vida de cada hogar y que con esto logra una clara idea de lo que va a mostrar al espectador.
Me parece curioso que en sus trabajos no retrate el elemento humano y que considere importante mostrar la configuración de los espacios y los usos de los objetos desde las propias estructuras y paisajes y de los espacios dentro de la vivienda.
Así mismo me llama la atención la composición de sus imágenes que presenta y que busque que cada elemento dentro de la fotografía muestre lo humano, que le dé un sentido particular a todo lo que conforma su obra, que sea como un punto de partida para la narrativa del objeto, que le de vida propia, que sea única y que nos denote gestos de carácter intimo.
Me impresiona que retrate espacios y objetos y que a través de ellos nos cuente una historia emocional, que nos muestre imágenes en las que uno como espectador sea como el personaje principal, que con nuestra experiencia construyamos historias y que nos apropiemos de ella
Ingrid Hernández adopta una posición vanguardista y analiza el uso de los espacios y de los objetos dentro de dichas viviendas, además refleja la forma de vivir de las personas y exterioriza sus deseos, nos muestra instalaciones urbanas sobre todo las relaciones de la gente con los espacios y los objetos ya que una simple construcción se vuelve parte de nosotros y que nos caracteriza.
Estas fotografías reflejan viviendas que han sido autoconstruidas por sus habitantes siguiendo la representación de los objetos, los acomodos y arreglos que organizan y definen el hogar.
Creo que esta artista trata de representar manifestaciones de carácter íntimo. Busca destacar lo particular, lo propio e individual presente en la forma de utilizar un objeto, disponiéndolo en un hábitat donde la da sentido dentro del espacio de acuerdo a los caprichos y manías de la condición humana, que va más allá de lo simple utilitario.
Son fotografías que cuentan una historia a través de los objetos y materiales que se encuentran en un hogar, hogares construidos por habitantes y como resultado podemos observar como su situación económica y humana.
Es una muestra de cómo la gente construye sus casas de acuerdo a la forma en que estaban acostumbrados a vivir en su lugar de origen y de cómo, lo adaptan a las condiciones de esa nueva ciudad.
Lo que me gusta de estas fotografías es que puedes ver la humanidad de otro modo, aun cuando no esté presente en las imágenes, nos muestra su espacio a manera de paisajes hablándonos de una forma de vivir, tal vez, modesta y que a la vez, nos hace comprender la relación que tenemos con los objetos y el espacio.
Referencias de Internet
http://www.ingridhernandez.com.mx/
http://ingridhernandez.com.mx/blog/?m=200904
http://www.conaculta.gob.mx/tierra/images_cont/publicaciones/especiales/Irregular.htm
MATERIA:
ANALISIS DE LA PLASTICA DEL NOROESTE
NOMBRE:
MENDOZA SANTOS GRACIELA
SALON:
261
INVESTIGACION:
INGRID HERNANDEZ
INGRID HERNANDEZ
Por: MENDOZA SANTOS GRACIELA. graciela.mendoza.santos@gmail.com
Lo que abordaremos en esta investigación es acerca de una artista y socióloga de nombre Ingrid Hernández presentaré un poco de su vida y de su trayectoria, así como una breve explicación de sus obras y reflexiones acerca de sus proyectos.
Ingrid Hernández, nació en el año de 1974, en la ciudad de Tijuana B.C. comenzó sus primeros estudios de fotografía mientras asistía a la preparatoria, después estudia la carrera de Sociología en la UABC y una Maestría en Administración Integral del Ambiente en el Colegio de la Frontera Norte.
En el año 2003 decidió abandonar la academia para dedicarse de tiempo completo a tomar fotografías en asentamientos irregulares de la ciudad de Tijuana. Ha expuesto su trabajo fotográfico en exhibiciones nacionales e internacionales, específicamente en Estados Unidos, México y Europa. Ha formado parte del cuerpo académico de la Escuela de Artes de la UABC y de la Escuela Superior de Artes Visuales, donde ha impartido clases de Antropología visual y el Seminario de Teoría y Lenguaje Fotográfico, con diez años de experiencia en la docencia ha sido maestra, investigadora y tallerista en instituciones educativas y asociaciones independientes en México y Bogotá. Entre sus becas y distinciones destacan el premio de adquisición de la Bienal Universitaria de Arte Contemporáneo (UABC, 2007), Jóvenes Creadores (FONCA, 2008-2009) entre otras.
El trabajo de Ingrid Hernández me pareció muy interesante ya que capta con el lente de su cámara ambientes (des)conocidos alejados de la realidad cotidiana, donde considera los espacios públicos como propios y privados, es como si escucháramos las conversaciones de los desconocidos, es adentrarse a lo inexplorado y después se convierta en conocido.
Me llama la atención que a través de sus fotografías presente trabajos de su ciudad, que haga ver la realidad desde otros rumbos incognitos, que haga ver lo que no se ve a simple vista, que es ignorado por la gente misma, por nosotros y que tal vez no nos damos cuenta de esa realidad que está a nuestro alrededor . Nos presenta una visión de la realidad desde puntos diferentes.
Ingrid Hernández presenta espacios domésticos, en el lugar más intimo del ser humano, en donde se proyectan nuestras creencias, deseos y expectativas.
Ingrid tuvo varias colaboraciones documentales importantes. Una de ellas trata sobre hombres que viven en un centro de rehabilitación; al mismo tiempo en el que estaba colaborando en esa producción, Ingrid ya había comenzado un proyecto de fotografía sobre el tema de la vivienda en los asentamiento irregulares de Tijuana, aquellas zonas habitadas en terrenos que no pertenecen a sus habitantes, los cuales en su mayoría construyen sus humildes casas con materiales de reuso o de desecho, como piezas de madera, lamina y plástico. Para desarrollar este proyecto partió de una metodología basada en técnicas de investigación social, conjugando elementos bibliográficos, entrevistas, observaciones y fotografías. En los que cada proyecto se inicia por recorridos a la ciudad para ubicar asentamientos que posteriormente visita durante largos periodos de tiempo. Para lo cual hace una búsqueda de lugares de la ciudad que no se ven con regularidad. Llama la atención esta parte de su proceso de trabajo ya que se compromete de tal manera que estudia a fondo el modo de vida de cada hogar y que con esto logra una clara idea de lo que va a mostrar al espectador.
Me parece curioso que en sus trabajos no retrate el elemento humano y que considere importante mostrar la configuración de los espacios y los usos de los objetos desde las propias estructuras y paisajes y de los espacios dentro de la vivienda.
Así mismo me llama la atención la composición de sus imágenes que presenta y que busque que cada elemento dentro de la fotografía muestre lo humano, que le dé un sentido particular a todo lo que conforma su obra, que sea como un punto de partida para la narrativa del objeto, que le de vida propia, que sea única y que nos denote gestos de carácter intimo.
Me impresiona que retrate espacios y objetos y que a través de ellos nos cuente una historia emocional, que nos muestre imágenes en las que uno como espectador sea como el personaje principal, que con nuestra experiencia construyamos historias y que nos apropiemos de ella
Ingrid Hernández adopta una posición vanguardista y analiza el uso de los espacios y de los objetos dentro de dichas viviendas, además refleja la forma de vivir de las personas y exterioriza sus deseos, nos muestra instalaciones urbanas sobre todo las relaciones de la gente con los espacios y los objetos ya que una simple construcción se vuelve parte de nosotros y que nos caracteriza.
Estas fotografías reflejan viviendas que han sido autoconstruidas por sus habitantes siguiendo la representación de los objetos, los acomodos y arreglos que organizan y definen el hogar.
Creo que esta artista trata de representar manifestaciones de carácter íntimo. Busca destacar lo particular, lo propio e individual presente en la forma de utilizar un objeto, disponiéndolo en un hábitat donde la da sentido dentro del espacio de acuerdo a los caprichos y manías de la condición humana, que va más allá de lo simple utilitario.
Son fotografías que cuentan una historia a través de los objetos y materiales que se encuentran en un hogar, hogares construidos por habitantes y como resultado podemos observar como su situación económica y humana.
Es una muestra de cómo la gente construye sus casas de acuerdo a la forma en que estaban acostumbrados a vivir en su lugar de origen y de cómo, lo adaptan a las condiciones de esa nueva ciudad.
Lo que me gusta de estas fotografías es que puedes ver la humanidad de otro modo, aun cuando no esté presente en las imágenes, nos muestra su espacio a manera de paisajes hablándonos de una forma de vivir, tal vez, modesta y que a la vez, nos hace comprender la relación que tenemos con los objetos y el espacio.
Referencias de Internet
http://www.ingridhernandez.com.mx/
http://ingridhernandez.com.mx/blog/?m=200904
http://www.conaculta.gob.mx/tierra/images_cont/publicaciones/especiales/Irregular.htm
CICLO 2011-2 MARGOLLES
Teresa Margolles
Iliana Teresa Aguirre Cerrillo
ilianaguirre@hotmail.com
Grupo. 261
Análisis de la Plástica del Noroeste
Teresa Margolles
Artista originaria de Culiacán, Sinaloa (1963), inicia sus estudios de arte en la Dirección de Fomento a la Cultura Regional del Estado de Sinaloa (DIFOCUR) y continúa en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) en el área de Ciencias de la Comunicación, a la vez que realizó un diplomado en Medicina Forense.
Margolles es una artista ampliamente reconocida, por ser polémica, audaz y provocadora, se ha dedico a dejar en claro sus propuestas de carácter socio-político, con proyectos enriquecedores de muestras contemporáneas de un arte hecho para reflexionar mas allá de lo establecido, Margolles conforma al lado de diversos artista un deliberado grupo llamado SEMEFO, con el cual sus proyectos se torna de una visión escalofriante y estremecedora, visiones que exigen justicia, que claman a gritos un nombre, una oportunidad, una vida.
Al encontrarse dentro del grupo SEMEFO presento múltiples experiencias revulsivas, es decir, la forma más amena de inducir un dolor menor para solucionar un dolor mayor; ya que aquellas experiencias eran tratadas con cadáveres, con materia orgánica, que contaba historias de aquel deseo de mejorar políticamente las desmenuzada sociedad en la que nos encontramos.
Teresa Margolles encontró este placer por explorar los cuerpos sin vida desde edad muy temprana. En algún momento relató la situación que vivió en su infancia al hallar en el camino el cuerpo sin vida de un caballo, y que tuvo la oportunidad de observarlo durante el transcurso de algunos días, lo que la hizo reflexionar en su momento fue el proceso de descomposición que presentaba dicho animal, la que provocó a grande incógnitas, sin embargo, o más sorpréndete fue entender como un simple cadáver no pasa a ser solo un resto y la transformación que le acontece lleva a crear otras especies vivas dentro de él. La obra titulada ¨Lengua¨ (2000) consiste en la presentación de una lengua de un joven adicto a la heroína el cual fue asesinado de una manera violenta, este trabajo habla sobre las miles de muertes anónimas de individuos que no son tomadas en cuenta en nuestra sociedad, y que la sociedad misma recluye en un extremo del mundo.
Teresa Margolles, no intenta ponerse limites, simplemente no existen, llega el punto en que su trabajo ya no trabaja con la materia, si no con el concepto de ella, más allá del cuerpo es trabajar con sus componentes; como fue visto en el performance realizado en la Bienal de La Habana, en el cual Margolles se situaba en una casa en la cual rellenaba huecos con grasa humana, los espectadores quedaban frente a ella. Otro proyecto realizado a destacar fue una pieza de ¨horror¨ singular del 2003 titulada “Bubbles made from water from the morgue that was used to wash corpses before autopsy” (burbujas de agua residual usadas en la morgue para el lavado de cadáveres antes de la autopsia), fue presentada en un museo donde se encontraban infantes y personas disfrutando delicadamente de las burbujas en el preciso momento en que estallaban en su piel, miradas fascinadas, risas alegres, hasta el preciso instante donde las personas leían el titulo de la pieza sus gestos cambiaban a un asco y repulsión al notificar que el agua de las burbujas provenían de una morgue de la Ciudad de México, la cual era utilizada para lavar los cadáveres antes de una autopsia y nos presenta a la Muerte mediante el agua. Estos tipos de trabajos caracterizan a Teresa Margolles dentro de su gran transitado camino hacia el arte.
Margolles define el dolor como un estado agudo, una impotencia e injusticia que se presenta en su país, la pobreza y el duelo constante ante la violencia, trata de redefinir estos estados y exigir una clara respuesta mediante estas obras que presenta. En la pieza 127 cuerpos del año 2006 se presenta un hilo que es colocado de un extremo al otro del espacio y consigo penden pedazos anudados y segmentos con pelusas del hilo de algodón manchadas de un color rojizo, esta pieza nos presenta el hilo que e sutilizado par coser los cuerpos sin vidas de diferentes individuos que fueron asesinados en muertes violentas explorando de manera breve la situación política que presenta el país.
Teresa Margolles explora esa delgada línea de la muerte en la cual la mayoría de las personas se preguntan si ha pasado de un trabajo artístico a entrar en el morbo de la sociedad, a jugar con el mismo a desde un lugar comercializarlo y convertirlo en diversión para el espectador, por ahora sus trabajos convertidos en vaporización, videos de cadáveres, propuestas hechas con elementos trabajados en la morgue, nos ha deliberado para encontrarnos en la situación sobre decidir si la manera en que influye en nuestras mentes nos ayudara a cambiar la manera de pensar sobre las situación políticas y económicas de nuestro país. La propia artista nos menciona un terminó interesante en el cual nosotros presentamos un papel muy importante el cual es nombrado ¨vida del cadáver¨, nosotros sobrevivientes de los sucesos acontecidos en nuestro país, en el cual jugamos a presentarnos en sus obras para que estas vuelvan en contra a nosotros en un vuelo, en el cual nuestra integridad es puesta en juego y nos encarar a responder por la responsabilidad que estamos tomando hoy en día.
jueves, 2 de diciembre de 2010
Elti Alejandro López Lora
Raúl Cuevas Estrada
avatara_230@hotmail.com
avatara_230@hotmail.com
Nacido en el Distrito Federal, Elti Alejandro López Lora llevó a cabo su formación artística en la ciudad de Baja California Sur con el maestro Armando Manríquez quien se encargó de instruirlo en diversas técnicas pictóricas. A la edad de 22 años ya es representativo del arte de La Paz B.C.S. Posteriormente estudio en Cuernavaca, Distrito Federal y por un corto tiempo en Tijuana. Sus temáticas abordan a esta urbe como un paisaje surrealista el que se encuentra habitado por atmosferas cálidas, a su vez que humedecidas por los paisajes marinos en los cuales sobresale la riqueza de la textura y la pincelada robusta por el golpe de pigmento. En el mundo de Elti, se retrata familiares y amigos, criaturas fantásticas y paisajes abrumados por un intenso calor fantástico, que sucumbe ante sí mismo de fatiga.Elti Alejandro es parte de una generación joven autodidacta de Baja California Sur los cuales con el afán de llenar esta ciudad de arte hacen cualquier tipo de cosa para llevar a sus habitantes algo más que no pueden percibir pero está ahí y lo quieren evidenciar.El arte en la ciudad de La Paz Baja ha tenido un carácter marcado por el turismo el cual es un gran consumidor del arte de esta zona; Por esta razón se buscaba darle un giro a esta tendencia y satisfacer necesidades de la población y así educarlas al consumo del arte producido en esta ciudad. Elti ha incursionado en diversas ramas del arte abordando desde el dibujo, hasta la instalación escultórica. En sus últimas series pictóricas como la llamada Agosto en el desierto negro resalta las características más arraigadas de su obra en las que estas criaturas desérticas y marinas toman riendas en un mundo humano azotado por su condición geográfica; Después llevó a cabo alebrijes del desierto obra escultórica en la cual se realizaban alebrijes y se colocaban en diversos puntos de la ciudad materializando la realidad como un paisaje surrealista y llevando al espectador a participar en su entorno.
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