inSITE (sobre su transformación)

Cannonball smith from Tijuana to San Diego (MEX to USA) this is a part of Insite05.
He's breaking the law crossing in there ( in a simbolic way ).

Análisis de la Plástica del Noroeste

Mtro. Roberto Rosique

inSITE (sobre su transformación)

Por Abigail Hernández Miranda (a-bigailhernandez@hotmail.com)

InSite. (Sobre su transformación)

InSite es un evento binacional que se realiza bajo el contexto fronterizo de la región Tijuana San Diego, InSite se encarga de realizar proyectos artísticos por medio organizaciones no lucrativas e instituciones públicas, asimismo se ha enfocado en promover la investigación artística hacia la activación del espacio urbano. La primera edición del evento se realizó en el año 92, seguida por las ediciones del 94, 97, 2000 y la última en el 2005.

InSite es un proyecto cultural permanente que resulta complejo entender dado su contenido extenso y su evolución y reinvención evento tras evento. Por lo que propongo revisar las características que han diferenciado a cada una de las ediciones hasta lo que se conoce y entiende actualmente por InSite.

inSITE 92.

La primera edición de inSite se inauguró a inicios del mes de septiembre de 1992. InSite 92 fue un conjunto de 49 instalaciones exhibidas durante un período de 2 meses en 22 sedes en las ciudades fronterizas, Tijuana San Diego, lugares como colegios comunitarios, espacios públicos y privados, el Centro Cultural de la Raza, el Museo de Arte Contemporáneo de San Diego y la Installation Gallery. La idea del proyecto fue resultado de un grupo de promotores: Ernest Silva y Mark Quint, reunidos en torno a la junta directiva de Installation Gallery (galería no lucrativa de proyectos alternativos de arte contemporáneo, fundada en 1981 en San Diego). Con inSite, Installation Gallery se proponía acercar la obra de los artistas comisionados (muchos radicados en el área) a un público más amplio, en un marco bicultural, como un modo de energizar la escena artística y de romper las inercias sobre el modo de apreciar el potencial cultural de la zona. Cada artista utilizo sus recursos de acuerdo a sus misiones y su visión particular además de su línea de trabajo.

Como referencia principal, inSITE 92 estuvo influenciado por el trabajo de artistas como Kurt Schwitters, Allan Kaprow y Jenny Holzer, intentando anclar una genealogía conceptual posible para el arte-instalación. Lo cual Sally Yard curadora de inSITE 92 señala que a partir de las obras de arte instalación de estos artistas, el potencial del arte para afectar el espacio en el que vivimos se abre hacia un terreno de pasmosa vitalidad.

“El arte-instalación de nuestros días opera a través de las vertientes del medio, envolviendo al espectador, utilizando el tiempo y el espacio, creando nuevas imágenes del mundo.” - Sally Yard.

inSITE 94

La segunda edición de inSite se presentó en un momento relevante políticamente entre Estados Unidos y México. Incrementa la población en la región de Tijuana debido al crecimiento industrial y por otra parte, el tema de la inmigración ilegal en los Estados Unidos estaba latente.

De esta manera las obras que se presentaron en esta emisión tuvieron mas inclinación hacia instalaciones en sitio, con mayor connotación histórica, social y política, a diferencia de inSite 92, en donde las obras más bien incitaban a la contemplación y reflexión sobre el arte de instalación.

InSite 94 presentó alrededor de 70 obras producidas por más de 100 artistas de la región y también de otras partes del mundo a diferencia de la emisión pasada en donde solo participaron artistas de la región (pues uno de los objetivos también era promover su obra). Las obras de intervención se ubicaron durante 3 meses en las ciudades de Tijuana y San Diego y fueron comisiones por parte de los organizadores, dichas obras, antes de ser presentadas para la inauguración, no habían sido concebidas por los organizadores, solamente por medio de bocetos y dibujos previos para ubicarlas en su espacio para la inauguración del evento. La dinámica esta vez fue distinta, es decir no seleccionaron obra individual, sino que se invitó a artistas experimentados a presentar nuevas instalaciones en sitios específicos.

El evento estuvo organizado por Installation Gallery, el Museo de Arte Contemporáneo de San Diego y el Centro Cultural Tijuana. Las instituciones en colaboración con inSITE 94 se encargaron de la curaduría de sus propias contribuciones al proyecto y cada institución patrocinadora sirvió como curadora de sus propios proyectos y determinó el nivel de su participación, en términos del número de proyectos y de sus sitios de exposición, al igual que su presupuesto.

Es de notar que las obras exhibidas en la región de Tijuana se presentaron en lugares menos convencionales a diferencia de las obras que se presentaron en San Diego. Como ejemplo de ello Helen Escobedo, quien presentó la instalación llamada “By the night tide” (Junto a la marea nocturna) justo enfrente de la valla metálica que separa a Estados Unidos de México en Playas de Tijuana, tres grandes esculturas que representan catapultas disparando cocos hacia el otro lado de la frontera, en alusión al la potencia del país vecino y la inofensividad frente a el. Notable fue también la participación del reconocido artista Allan Kaprow quien decidió intervenir el Minarete de Aguacaliente instalando maquinas de humo en su base.

inSITE97

En esta emisión se presentaron cambios sustanciales, primeramente la selección de artistas estuvo a cargo de un equipo curatorial conformado por Jessica Bradley (Canadá), Olivier Debroise (México), Ivo Mesquita (Brasil) y Sally Yard (Estados Unidos). El fin de la curaduría era evitar abordar la ciudad como escenario para la exhibición de piezas y en cambio se buscó actuar más sobre la práctica artística en relación con el espacio público y privado. Así mismo en esta emisión se tomo mas conciencia sobre la situación política, y los procesos fronterizos que determinaban la región, tomando una postura mas critica.

En inSITE 97 se formalizaron los periodos de residencia en el área, para artistas y curadores. Las residencias tienen como fin que cada proyecto se ubique en su contexto a partir de la vivencia e investigación por parte de los artistas, el objetivo de las residencias es que los artistas invitados se involucren en las comunidades y en los lugares en los que decidan trabajar, y no simplemente formular opiniones desde fuera.

Durante esta emisión también se establecieron proyectos paralelos enfocados a propiciar enlaces con la comunidad. Prácticas críticas que incluyeron desde la producción de teatro callejero hasta la documentación de movimientos políticos en comunidades de inmigrantes. Se comisiono a quince artistas de la comunidad el desarrollo de programas de talleres diseñados para estimular la participación de diversos públicos, tales como el Taller de Arte Fronterizo, o la participación del grupo Revolucionarte. Los proyectos de enlace con la comunidad fueron promovidos por museos, centros comunitarios o universidades que colaboraron.

De esta emisión las resultan obras tan memorables como la del Artista tijuanense Marcos Ramírez ERRE “Toy an Horse” una escultura de madera, de diez metros de altura que imita al caballo de Troya , pero esta pieza tiene dos cabezas, dentro de su cuerpo permanecen treinta figuras de soldados, esta pieza fue colocada en la garita de San Ysidro de manera que una cabeza apuntaba hacia el norte, Estados Unidos, y la otra hacia el sur, México, haciendo alusión a la dependencia entre dos culturas distintas y sus interrelaciones, así como también hace alusión a la invasión, como una cultura invade a la otra de distinta forma.

inSITE2000-01

Esta emisión busco alejarse del formato tradicional para presentar las obras in situ terminadas, y en cambio se enfatizó en la participación del público y en los procesos de practica cultural generados por los artistas, esto es a lo que se refiere la invisibilidad de inSITE, es decir que los proyectos ya no eran obras monumentales o de contemplación sino acciones.

InSITE amplió su tiempo de exposición pública de 10 semanas a 5 meses (entre octubre del 2000 y marzo del 2001). Temporalidad acorde a las exigencias de las obras.

InSITE 2000-01 presentó veintisiete proyectos entre performance, espectáculo, cine, video y nuevas tecnologías digitales, inSITE2000-01 se conformó en la dinámica de los proyectos comisionados a partir de la exploración de prácticas cotidianas en una gran diversidad de terrenos sociales, políticos y económicos.

Así es como por ejemplo Carlos Amorales presenta una pelea de lucha libre en el auditorio municipal de Tijuana, dos luchadores holandeses llamados Amorales contra dos luchadores estrellas de la lucha libre mexicana.

Otro ejemplo es la acción de Silvia Guner quien se psicoanaliza en automóvil mientras cruza la frontera, ella recostada en la parte trasera del auto mientras el terapeuta conducía hacia ambos lados de la frontera. La pieza o acción se presento en video.

Otro ejemplo de la invisibilidad de InSITE es el proyecto que desarrollo Jonathan Hernández quien colaboro con FUSSIBLE y ToroLab en el desarrollo y realización de un video sobre la vida nocturna de Tijuana. El proyecto tiene que ver con los conceptos de diversión, de lo permitido y lo prohibido. Hernández se interesó en hacer llegar a los adolescentes de San Diego que cruzan la frontera para divertirse en Tijuana ("get a night life"), su propia imagen mediatizada.

inSITE 05

En InSite 05 se buscó detonar situaciones alternas de flujo y experiencias de interconectividad. InSITE 05 presentó un grupo de artistas y de curadores interesados en inocular desde la práctica artística la gestación de nuevas utopías de pertenencia y dinámicas de asociación, en el escenario circunstancial y descontrolado del dominio público.

De esta manera las actividades de InSITE se ampliaron, desde intervenciones y acciones públicas, a exposiciones en el Centro Cultural Tijuana en donde se presentó “Farsites” una exhibición colectiva de artistas latinoamericanos, y el Museum of Art San Diego. También dentro del programa se dieron una serie de diálogos talleres y conferencias partiendo de inSITE como un evento de intercambio intelectual, no simplemente artístico.

Es así como se puede evidenciar la notable evolución que ha obtenido inSITE desde su inicio en el año 92 en cuanto a prácticas artísticas, así como también en el carácter del proyecto. InSITE ha evolucionado conforme al desarrollo creciente de la región fronteriza, como es de notar en un principio se buscaba una interacción artística binacional, y conforme los factores fronterizos, las necesidades y problemas de la región se iban agudizando el proyecto de inSITE se tornaba mas hacia la critica, la conciencia y el activismo.

Ahora inSITE se ha establecido como un proyecto cultural permanente caracterizado por su flexibilidad y constante transformación, cosa que también ha provocado cuestionamientos sobre este proyecto y su organización, sin embargo es indudable el impacto que ha causado sobre esta región dentro de las prácticas artísticas y concepciones sociales.

Felipe Ehrenberg catalizador del arte en Tijuana

Análisis de la plástica del Noroeste

Mtro. Roberto Rosique

Felipe Ehrenberg catalizador del arte en Tijuana

Por Juan Ernesto Gómez Villavicencio (juvanjuvan@hotmail.com)

“Tijuana, mi segunda patria chica y bien amada, lugar al que sin duda me hubiera ido a vivir si no estuviera tan lejos de Dios y tan cerca de…” (F.E)

Felipe Ehrenberg es un reconocido artista mexicano cuya trayectoria de más de cincuenta años, abarca el dibujo y la pintura así como el arte conceptual de los años setenta, el performance, el mail art y la mimeografía y la neográfica en la que también es pionero a nivel internacional.

El mismo se describe como neólogo: “un activista de la cultura, entendiéndolo como alguien que incide de manera determinante en el desarrollo de ésta sin ceñirse a encasillamientos preestablecidos (…) yo diría que los neólogos debemos ser vistos y cobijados como agentes catalizadores, como estímulos a la imaginación, como antídotos a la estulticia, al conformalismo y a la falta de imaginación” [1]

Ehrenberg abrió la puerta en México hacia nuevas expresiones artísticas. Muchos artistas de hoy no saben que son discípulos de su doctrina de innovación y sin embargo, caminan por esa senda: los grupos de los setenta y ochenta en México, han sido el preludio del arte conceptual mexicano. El desarrollo de los grupos de trabajo colectivo permitió la consolidación de fenómenos actuales en los que se incluyen las propuestas del arte de la frontera Norte de México, específicamente, Tijuana.

La relación entre Felipe Ehrenberg y Tijuana ha sido larga y cordial, siempre en busca de diálogos que propicien nuevas formas de expresión artística, y en esta acción reside su importancia como catalizador en la producción actual de la plástica Tijuanense.

En 1997 en el Centro Cultural Tijuana, se realizó el seminario Libro-objeto “De los Retinal Conceptual” impartido por Ehrenberg, en el propone trabajar con los conceptos de libro de artista, mismo que venía presentando desde principios de la década de los 90’s en lugares como el Museo Carrillo Gil de la ciudad de México; donde bajo libros enormes de 1.80 m de altura, de portadas solemnes, se encontraban escenas lúdicas y cotidianas en relieve que semejaban a los libros infantiles que al abrirlos hacen estallar paisajes y castillos, más con premisas temáticas de carácter violento, que ilustra algunos de los dramas históricos americanos. En el taller libro-objeto realizado en CECUT participaron diferentes artistas bajacalifornianos, los cuales están despuntando actualmente de manera nacional e internacional, artistas que a partir de la propuesta de libro visual, incursionaron en propuestas como la instalación y la intervención, las que han enriquecido sus propuestas plásticas, al grado de catapultarlos, junto con Tijuana como una de las regiones con mayor actividad artístico-cultural y de vanguardia a nivel mundial. Algunos de los artistas que compartieron este seminario fueron: Juan Sebastián Beltrán quien trabaja mayormente en el terreno de la escultura y el arte objeto, que experimenta con diversos materiales como metal, concreto, resinas y que propone lazos entre lo artístico y lo utilitario, las hermanas Mónica y Melisa Arreola, arquitectas de profesión quienes han sabido combinar esta disciplina con las artes visuales, experimentando con técnicas como el collage, el uso del scanner, la fotografía digital y la instalación. Tania Candiani, quien crea una reflexión sobre los patrones estéticos contemporáneos por medio del cuerpo, las emociones y su contexto, utilizando instalaciones, intervenciones y trabajos textiles. Jaime Ruiz Otis quien trabaja con residuos de maquiladoras y material de proceso industrial reutilizando por medio de instalaciones las que comienza a trabajar en fechas posteriores al seminario de Felipe Ehrenberg, que sin duda influyó directamente en su discurso plástico actual.

Ehrenberg, además, está constantemente participando en actividades de carácter social que se realizan en Tijuana, como es el caso de la campaña “Manifiesto: S.O.S. Tijuana” escrito por el foro cultural ciudadano dirigido a organismos internacionales como la Organización de las Naciones Unidas, Global Exchange, Human Rights Watch, Amnistía Internacional y la cámara de Diputados, con el fin de presionar a las autoridades mexicanas, exigiendo un mayor compromiso para garantizar la seguridad de la población tijuanense y para que se comprometieran a mayores apoyos a la cultura y a la educación, como estrategias de recomposición del tejido social a largo plazo, firmando su apoyo junto con escritores como Federico Campbell, Carlos Monsiváis y Elena Poniatowska.

En el año 2008 Felipe Ehrenberg vuelve a Tijuana con motivo de la presentación de su libro Manchuria- visión periférica, retrospectiva de más de cincuenta años de su trabajo curada por Fernando Llanos, en Festival de la ciudad Tijuana Interzona. Además con motivo de esta visita, Ehrenberg realizo otras actividades como una conferencia en la Universidad Autónoma de Baja California con los alumnos de la Licenciatura en Artes, donde trato temas relacionados con su trayectoria pero sobre todo, propició un dialogo entre las futuras generaciones de artistas, donde además, comentó temas como la formalidad en la forma del trabajo del artista y la búsqueda de opciones y propuestas artísticas a través de una visión dirigida hacia Latinoamérica. En conjunto, con la presentación del libro Manchuria, se inaugura en el Palacio de Cultura, la exposición Signos y señales, en la cual se propone llevar a cabo un dialogo entre Ehrenberg y la comunidad artística local, por medio de una muestra interactiva de obras hechas en colaboración. Los artistas participantes en esta exposición bajo la batuta de Daniel Ruanova fueron: Mely Barragán, Jaime Ruiz Otis, Claudia Algara, Irma Sofía Poeter, Aldo Guerra, Lucia Sanromán e Isaac Contreras, ejemplos todos de la dinámica artística actual en Tijuana y la variedad de sus propuestas.

Felipe Ehrenberg, vive actualmente en la ciudad de Sao Paulo, Brasil, desde donde a pesar de la distancia mantiene una relación activa con la ciudad de Tijuana, la cual describe como una ciudad cosmopolita, donde radican muchos amigos entrañables y la cual se distingue por una proporción de creadores e intelectuales reconocidos a nivel internacional.

Hace pocos días Felipe Ehrenberg, demostrando que no es ajeno a las actividades ocurridas en Tijuana, publicando un texto sobre los acontecimientos ocurridos alrededor de la designación del nuevo director del Centro Cultural Tijuana, reconociendo al CECUT como el mayor centro cultural del noroeste de México por sus eventos de calidad internacional, dejando claro que por esta razón se debe de asignar como director a una persona que este capacitada para un puesto de tal magnitud, y reconoce la actitud replicante del grupo de artistas e intelectuales de la región que cuestionan la nueva designación de Virgilio Muñoz al mando de esta institución. Ehrenberg desde la distancia declara:

“mis queridos amigos ahora se dividen entre aquellos que aprueban la orden venida del Centro y quienes argumentan que por encima de los intereses centralistas están los de la entidad. (Quienes me desconciertan son los que se desentienden del caso, que no son pocos. Su actitud me irrita, es mas, me saca de quicio pues en asuntos cívicos, la neutralidad sólo puede indicar oportunismo o desdén. Ni lo uno ni lo otro es aceptable y mucho menos en los momentos que atraviesa el país).

“Si mantiene mutis, demostrará que prefiere mantenerse fiel a la rancia y desdeñada tradición política centralista de México”.

Ehrenberg hace una invitación como neólogo, agente catalizador, de participar de manera activa en las situaciones actuales que acontecen en Tijuana, aconsejando a las nuevas generaciones que no detengan el proceso de crecimiento cultural de la región, afirmando que la indiferencia no ayudará a que Tijuana continué con los logros que a obtenido hasta hoy, como es, el posicionamiento autónomo frente al centralismo creando sus propio propuestas artísticas y generando una dinámica cultural que la distingue en el mundo.

Bibliografía

MARTINEZ, Cesar

Felipe Ehrenberg, (2006). Un neólogo sin fronteras.

GARCIA Canclini, Néstor.(1992). El artista editor de incertezas.

MANRIQUE, Jorge A. Felipe Ehrenberg

http://www.ehrenberg.art.br

[1] Arte e historia de México. Ehrenberg en su propia tinta. Autor/redactor: Angélica Galicia. Editor Manuel Zavala y Alonso.

Álvaro Blancarte

KAIMANSUTRA: La Manzana

Serie "Kamasutra y el Caimán"

Técnica: Mixta / Papel / Madera (Acrílico, Textura)
Medida: 71 x 46 cm
Año: 2005

Álvaro Blancarte

por eduardo ochoa (eddiee_rock@hotmail.com)

Quienes conocemos la obra de Álvaro Blancarte y tenemos la oportunidad de tratarlo no sólo como artista sino como amigo, nos damos que cuenta de que la relación entre la obra y creador es demasiado evidente, es poseedor de un estilo muy personalizado, a través de sus formas tanto figurativas como abstractas y el sentido armonioso que le otorga a sus obras entre el color y sus ricas texturas, nos presenta una maestría del dominio de técnicas. Denomina su estilo como neofrescos el material que utiliza son polvos, vinílicas y marmolina, aunque siempre se encuentra en la búsqueda de nuevas técnicas y nuevos materiales que le puedan otorgar mejores resultados. Su obra es la unificación de tendencias que han dejado huella en el mundo del arte así como precursor de las tendencias contemporáneas, algo que me parece muy interesante es que nunca da por terminado un tema y en el momento en el que encontró la manera de fortalecerlo, aun hallan pasado años desde la ultima obra que dedico a cierto tema, sencillamente, lo retoma y nos vuelve a sorprender. El maestro ha perfeccionado con los años de rigurosa disciplina artística su estilo y lo ha solidificado, hasta impulsarlo a nivel internacional. Algunas de sus obras que me parecen más interesantes son la serie del kaimansutra, esta serie consta de 13 piezas realizadas con un toque de armonía entre lo poético y lo erótico

He tenido la oportunidad de conocer a la persona detrás de ese renombrado y galardonado nombre, siendo éste pieza clave en la difusión artística de la región a nivel internacional, una persona de una gran simpatía y amabilidad que se refleja por su sencillez, y la manera de relacionarse con sus semejantes tenemos que reconocerle el arduo trabajo que ha hecho para que el arte mexicano salga del hoyo en el que se encuentra el arte y su aportación para la formación de los futuros artistas, para el no hay algo más abstracto que el pensamiento del hombre, esta convencido de que el arte tiene un papel muy importante en nuestra sociedad y al mismo tiempo asegura que el realizar una obra es sólo para autocomplacerce y que a su vez, el tema en una obra es sólo un pretexto para lograr lo inimaginable.

Alvaro Blancarte Nació en Culiacán, Sinaloa, México en 1934, realizo sus estudios en el Taller de Artes Plásticas de la Universidad de Sinaloa. Realiza en 1971 estudios en Artes en España, Inglaterra y Francia. Maestro fundador de la Escuela de Artes y Oficios en la Universidad de Sinaloa, así como el Taller de Artes Plásticas de la Casa de la Cultura de Tepepan, Estado de México y fundador también y maestro actual del Taller de Artes Plásticas de la UABC en Tecate, si como maestro fundador de la escuela de artes de Tijuana BC, misma que en su honor nombro la galería de la escuela con su nombre.
Desde 1964 ha realizado exposiciones colectivas e individuales en territorio mexicano y el extranjero. Es seleccionado en el Salón Nacional de Artes Plásticas del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), en 1980 y en la Bienal DINA (INBA) en 1981, participa en ART EXPO 85 en Nueva York, así como inSITE 94, el Salón Internacional de Estandartes 96, Colectiva San Diego- Tijuana. Yokohama Japón en el 1994 y en la Gran Colectiva 2000 de Baja California en el 2000.
Obtiene primer lugar en pintura en la IV Bienal Plástica de B.C., 1990. Tercer lugar en pintura en la III Bienal del Noroeste, 1992. De su obra mural destaca América Unida por el Arte, mural colectivo realizado en Panamá en 1993. Mural "Medicina Azteca" en Gaza Palestina en el 1998. Orígenes en el vestíbulo del teatro del CECUT en 1995 y La Entrada mural en proceso ubicado en el andador que une a San Isidro, CA. Con Tijuana. BC.

Su Obra aparece publicada en libros como: Artistas Mexicanos de Ignacio Flores, México, 1986; Centenario del Centro Cultural Tijuana, CECUT, 1994; catálogo inSITE 94, catálogo
30 Artistas de Baja California,1998; en 2003 una edición a su nombre: "Álvaro Blancarte"-
Revistas nacionales como Cultura Norte, CNCA, 1994, Latín American Art, entre otras.
De igual forma aparece en importantes suplementos culturales regionales y Ext

ARTE URBANO

Roadsworth (Peter Gibson)

Análisis de la Plástica del Noroeste

PROFESOR:

Dr. Roberto Rosique

02 de Junio de 2009

ARTE URBANO

Irma Verenisse Cabrera Cevantes (irma_cabrera@hotmail.com)

Existen diferentes tipos de expresión dentro del arte una de ellas es el arte urbano o a veces llamado arte callejero o público. El arte callejero o street art del término inglés, en su concepción más amplia y literal describe todo el arte desarrollado en la calle, normalmente de manera ilegal. Esto incluiría tanto al Graffiti como a otras formas diversas de intervención artística en la calle. Existen centros del arte callejero en Londres, Barcelona, Berlín, São Paulo o Toronto. Las primeras manifestaciones de este tipo de arte se hicieron sin saber que era urbano y mucho menos se tenía la sospecha de que era arte.

Dentro de este tipo de arte existe la escultura urbana, la cual nace en el siglo XX aproximadamente en la década de los cincuentas. Es un concepto que tiene medio siglo como tal y es apenas hasta hace poco que empiezan a surgir grandes manifestaciones de cambio. A partir de esto surge otro tipo de arte que se relaciona más con el ambiente, con el entorno que no entra mucho en lo urbano pero nos acerca a lugares como desiertos, bosques e incluso en peñascos a la orilla del mar.

Una verdadera pieza de arte urbano es la que llega a concordar en su entorno. No es algo que solo surge como un capricho y llega a ponerse en cualquier lugar. El valor que tiene una pieza, como en toda obra, no es monetario sino más bien es el artista quien se lo da, además de los espectadores de esta. Es muy difícil que una nueva colocación pueda llegar a quitarle el valor a una pieza, porque siempre tendrá la misma intención la cual se la da el autor de ella, lo único que probablemente cambie será el impacto en el público que la observe.

Una parte del arte urbano que se puede tomar en cuenta es el graffiti el cual hasta hace poco se veía como algo malo e incomprensible, pero hoy en día al menos aquí en Tijuana, B. C. existen incluso lugares donde los enseñan a hacer este tipo de arte, espacios donde pueden expresarla, de hecho hay personas que viven de esto, cada vez más el arte de este tipo se comienza a entender como un sentido de pertenencia del espacio.

Sin embargo, desde mediados del los años 90 el término Street art o su equivalente de Posgraffiti se vienen usando para describir el trabajo de un conjunto heterogéneo de artistas que han ido desarrollando acciones artísticas en la calle mediante el uso de plantillas, carteles, pegatinas y otras técnicas y códigos que se alejan del Graffiti. El uso de plantillas (esténcil) y pintura en spray, a menudo con un mensaje político, cobra especial relevancia en París en la segunda mitad de los años 60. Sin embargo, no es hasta mediados de los años 90, con la aparición de artistas como el norteamericano Shepard Fairey y su campaña "Obey" (Obey Giant) (Obedece al gigante), ideada a partir de la imagen del personaje de lucha libre americana Andre The Giant y llevada a cabo mediante el uso de pósters y plantillas, cuando las diversas propuestas de este tipo cobran auge en distintas partes del mundo y son percibidas en su conjunto como parte de un mismo fenómeno o escena.

Contenido · 1 ¿Contenido reivindicativo? · 2 Métodos · 3 Artistas de Arte Callejero (No Graffiti) · 4 Enlaces externos · 5 Literatura, Ensayos, Proyectos

¿Contenido reivindicativo?

Los temas dentro del arte urbano por lo general se ven relacionados específicamente a protestas contra el gobierno. Sin embargo, las manifestaciones de ellas se han ido sustituyendo por otras que "no demandan nada", lo cual ha creado un debate sobre los objetivos reales de los artistas que actualmente intervienen el espacio público. Los métodos comúnmente utilizados en el posgraffiti son: “las plantillas” (esténcil o estarcido) desde las más simples hasta las más complejas, “Las pegatinas”, “La simple pintura con spray”, entre otras.

Enfocándome más hacia el graffiti, es un término tomado del italiano, graffiti, plural de graffito, que significa ‘marca o inscripción hecha rascando o rayando un muro’ y así llaman también arqueólogos y epigrafistas a las inscripciones espontáneas que han quedado en las paredes desde tiempos del Imperio Romano. El arqueólogo Raffaele Garrucci divulgó el término en medios de académicos internacionales a mediados del siglo XIX^[

Los romanos tenían muy desarrollada la costumbre de la escritura espontánea sobre muros y columnas, esgrafiada y pintada como si fueran murales pero con un toque distinto. A lo largo de la historia se han encontrado múltiples inscripciones en latín vulgar con consignas políticas, insultos, declaraciones de amor, y mucho más, junto a un amplio repertorio de caricaturas y dibujos en lugares menos afectados por la erosión, como en cuevas-santuario, en muros enterrados, en las catacumbas de Roma, o en las ruinas de Pompeya y Herculano, donde quedaron protegidos por la ceniza volcánica). De época moderna se conocen también ejemplos, hechos por marineros y piratas que en sus viajes al pisar tierra dejaban sus seudónimos o iniciales marcadas sobre las piedras o grutas, quemando un trozo de corcho. Todo esto lo podemos considerar como parte del pasado del graffiti, ya que la temática utilizada y varias características coinciden con lo que ahora conocemos de este arte.

La expresión graffiti se usa también para referirse al movimiento artístico del mismo nombre, diferenciado de la Pintura o como subcategoría de la misma, con su origen en el siglo XX. Fue un movimiento iniciado en los años 1960 en Nueva York, o, según aluden fuentes bibliográficas como getting from the underground, en Filadelfia.

Por lo regular se realiza en las calles, una pared o algún lugar público, aunque como lo mencione antes existen espacios generados para este tipo de arte. Debo aclarar que dentro del graffiti no son letras pintadas como “manchas” para marcar un territorio, como regularmente lo conocemos. Es cierto que incluye también lo que se hace llamar pintadas las cuales en realidad son el hecho de pintar en las paredes letreros, frecuentemente de contenido político o social, con o sin el permiso del dueño del inmueble, y el letrero o conjunto de letreros de dicho carácter que se han pintado en un lugar. También se llama grafito a los eslóganes que se han popularizado con estas técnicas.

Este arte urbano es uno de los cuatro elementos básicos de la cultura hip hop, donde se llama grafo o graffiti a un tipo específico. En este sentido, una pintada política no sería un grafito.

Con respecto a las técnicas se sabe que los primeros utensilios para dibujar en los vagones del metro eran en principio pinceles y pintura y rotuladores, hasta el descubrimiento del spray (aerosol). Además de lo tradicional antes mencionado también existieron, existen y aunque no tanto pero sigue utilizándose otros elementos alternativos como los rayadores (piedras o bujías) para cristales, destornilladores para chapas, rodillo y brochas con pintura plástica, ácidos que corroen el cristal de manera permanente o incluso tizas, velas... Llegando hasta la más tolerante de las nuevas tendencias: Las pegatinas, carteles y demás intervenciones urbanas.

En cierto modo en este tipo de expresión entran las típicas frases o nombres en las cortezas de los árboles que se asocian comúnmente a declaraciones de enamorados, a formas de pensar, pero de igual forma se puede dar otra interpretación de estas mismas. Desde cualquier punto de vista es una manera arriesgada para el árbol hacerle esto, ya que un corte profundo que abarque casi todo el ancho del tronco puede dañarlo y con esto provocarle la muerte. El artista holandés Influenza, encuadrable dentro del llamado arte callejero (street art), desarrolló en 2003 una serie de acciones en la corteza de árboles situados en lugares públicos y posteriormente recogió las fotos de estas acciones en un pequeño libro autopublicado que tituló Treeffiti. Desde entonces el término se ha usado ocasionalmente para denominar este tipo de intervención, normalmente cuando tiene una intencionalidad más cercana al espíritu del graffiti o del street art que a las tradicionales inscripciones de novios. Esta técnica es prácticamente una de las menos usadas.

Agroglifos

En plantaciones existen también círculos a los que a veces se les llama agroglifos, son diseños de varios metros de anchos, producidos en tierras de cultivo aplastando plantas. Aunque muchos arguyen explicaciones naturales o sobrenaturales para estos fenómenos, se sabe que en ocasiones se han creado de forma intencionada.

Plantilla o stencil

Las plantillas se han popularizado como una técnica de graffiti sintético. La plantilla se recorta en una "máscara" trazada sobre cualquier material ligero como por ejemplo el acetato, lo que permite pintar rápidamente un motivo repetido. También se han utilizado en combinación con texto o imágenes provistos de cierto tono político. Los "plantillazos", de formato más reducido que los graffitis convencionales, suponen en cierto modo una vuelta al carácter crítico del movimiento, por encima del espíritu artístico que anima otras formas de graffiti.